„What we design designs us back.“ Dieser Satz des Techno-Futuristen Jason Silva ist das Motto des DDCAST. Design beeinflusst unser Zusammenleben. So weitermachen wie bisher, das geht nicht; oder wir werden von Krise zu Krise stürzen. Kreativität ist gefragt! Wie können wir mithilfe des Design die Welt neu denken? Dazu bringen wir Woche für Woche starke Stimmen – aus Design, Wissenschaft, Wirtschaft, Politik …
135 — Bianca Herlo // Digital Justice. Now.
134 — Kai Vöckler & Peter Eckart // Gemeinwohl & Mobilitätsdesign
133 — Thilo Schwer // Serious Games & Produktsprache
132 — Jochen Rädeker // Design; Management
131 — Michaela Leitner // Fem Facts und Gender Gaps
130 — Ursula Tischner // Eco- statt Ego Design
129 — Fritzi Köhler-Geib & Hannah Helmke // Wege zur ökonomischen Transformation
128 — Carsten Brosda // Kulturpolitische Positionen
127 — Juli Gudehus // Icon Spell: Visuelle Weltsprache
126 — Mona Mijthab // Sozialunternehmerin in Guatemala
125 — Christian Daul // Der Wortarbeiter
124 — Matthias Wagner K // „gestalten wir, wie wir leben wollen!“
123 — Thomas Rempen // Kurt Weidemann zum 100.
122 — Hans Ulrich Reck // Design / Theorie
121 — Uta Brandes // Non Intentional Design
120 — matali crasset // Design, um den Menschen zu dienen
119 — Tanita Klein // Die verformbare Küche
118 — Philipp Thesen // Humanizing Technology
117 — Andreas Muxel, Daniel Rothaug // Creative Engineering
116 — Sebastian Klöß // Wegweiser ins Metaverse
115 — Matteo Thun // Der Großmeister
114 — Ute Clement // Frauen führen besser
113 — Nina Sieverding und Anton Rahlwes // FORM FRAGEN 02 // Boisbuchet / Vienna Design Week
112 — Helge Aszmoneit // Die Design-Bibliothekarin
111 — Kollektiv Plus X (Ezra Dilger, Marvin Schwark u.a.) // Mobiles Forum für direkte Demokratie
110 — Hermann Weizenegger // Der philharmonische Designer
109 — Alexandra Baum // Forschung. Design. Startup. Familie.
108 — Michael Conrad // creativity – off the norm
107 — Hannah Helmke // 1,5° Celsius und 100% Powerfrau
106 — Stefan Weil // create curate collaborate
105 — Lena Jüngst // Zukunftslabor Gastronomie
104 — Sandra Groll // Design: Zwischen Kontingenz und Notwendigkeit
103 — Nina Sieverding und Anton Rahlwes // FORM FRAGEN 01 // Salone Del Mobile 2022
102 — Alexis Dornier // Tektonische Innovation auf Bali
101 — Franziska Ratsch und Oliver Grande // Partizipative Raum-Gestaltung
100 — Diana Tayo Osobu // Colour & Character
99 — Christian Müller // Turbo für die Energie Transformation
98 — Prof. Bitten Stetter // Palliativ-Design
97 — Prof. Dr. Joachim Curtius // UP UP IN THE AIR
96 — Erik Spiekermann // TYPOERIK 75
95 — Nicole Deitelhoff und Matthias Wagner K // Design for Democracy. Gestalten wir wie wir leben.
94 — Felix Kosok // Das queere Mannsbild
93 — Hella Jongerius // Texture makes things human
92 — Etta Madete // Nachhaltige und bezahlbare Wohnungen in Kenia
91 — Gesche Joost // Die Design Forscherin
90 — Lisa Borgenheimer // Communicating Complexity
89 — Michael Volkmer // Da anfangen wo wir stehen
88 — Werner Sobek // Erderwärmung ist keine Krise sondern ein neuer Zustand
87 — Harald Welzer // Extraausgabe // Demokratie gestalten
86 — Mariana Amatullo // Die Chef-Diplomatin des Social Design
85 — Philipp Langenbach // Grünes Banking – wie geht das?
84 — Judith Block // Über Megatrends, Menschenliebe und Mut
83 — Anatoli Skatchkov // Man muss immer aus Liebe handeln
82 — Claudia Díaz Sánchez, Laura Schlotthauer, Katja Lis //
Diverse Kommunikation braucht diverse Menschen
81 — Ondřej Chybík // Driven by ego, curiosity and naivety
80 — Marie Josephine Eckloff // Licht ins Dunkel bringen
79 — Kai Vöckler und Peter Eckart // Mobilität neu denken und gestalten
78 — Christine Fehrenbach // Mode als Transformationstreiber
77 — Britta Wagemann und Samson Kirschning // Design-Interventionen im Reallabor Stadt
76 — Imran Ayata // Erst mal alles in Frage stellen
75 — Ricky Saward // Vegane Sterne
74 — Marti Guixé // Der Ex Designer
73 — TheJoCraft // Der digitale Baumeister
72 — Elvira Breit / Patrick H. Nagel / Klaus K. Loenhart // Lernen, Sehen, Atmen
WAS IST GUT – Die Gewinner
71 — Katja Filippenko und Philip Weyer // Der vegane Party Kracher
70 — Klement Tockner // Einmal verloren ist immer verloren
69 — Agnesa Kolica // Social Design for Innovation
68 — Frank Wagner // What’s the value of design
67 — Constanze Hosp und Nadine Podewski // Wie Designerinnen gutes Leben gestalten
66 — Boris Kochan // Wir können sehr viel bewegen
65 — Paola Antonelli // Über das Lernen von Designausstellungen
64 — Shantel // Diversität hörbar machen
63 — Lena Jüngst // Raus aus der Kreativblase
62 — Karin Schmidt-Friderichs // Die Bücher-Macherin
61 — Friedrich von Borries // So geht WAS IST GUT
60 — Constantin Kaloff // Über Werbung und Enteitelung
59 — Anne Farken // Eyes on the Future – Feet on the Ground
58 — Nils Holger Moormann // WAS IST GUT – und was nicht
57 — Markus Weisbeck // Forschung mit Design, nicht über Design
56 — Tatjana Gorbachewskaja // Über eine arktische Großstadt
55 — DAS IST GUT PART I
54 — Thomas Immich // Planet Centered Design versus Impact Driven Design
53 — Jifei Ou // CHN > HFG > MIT > CEO
52 — Friederike Köhler-Geib // Design – Brücke für eine innovative Wirtschaft
51 — Olivia Dahlem und Florentina Fuchs // Female Empowerment durch Mode
50 — David Maurer-Laube // So klappt nachhaltige Mobilität
49 — Inga Wellmann // Was ist Creative Bureaucracy?
48 — Lioba Lissner und Claus Herrmann // Plätze für Menschen, Tiere und Pflanzen
47 — Dr. Sandra Hartig // LGBTAIQ++
46 — Dieter Brell // Nachhaltigkeit sichtbar machen
45 — Benedikt Poschinger von Frauenau // Gutes Glas ist gut
44 — Stefan Sagmeister // Hässlichkeit / Schönheit
43 — Stephen Burks // Beauty, Design und Rassismus
42 — Arpad Dobriban // Manifest des Kochens
41 — Liz von Wagenhoff und Teresa Limmer // Should be all about sex
40 — Daniel Martin Feige // Wozu Design-Philosophie?
39 — Lilli Hollein // Die Design Kuratorin
38 — Thomas Ranft // Donnerwetter Design
37 — Elisabeth Mansfeld // Neurourbanismus – Psychologie der Stadt
36 — Thomas Jäger // Design und humanitäre Arbeit
35 — Bartomeu Mari Ribas // Museen müssen parteiisch sein
34 — Malene Saalmann // Idee & Modell & Prototyp
33 — Jürgen Engel // Räume beeinflussen unsere Körper
32 — Mike Meiré // Befreit euch von dem was ihr geschaffen habt
31 — Stephanie Hobmeier // We don’t need (this) education
30 — Konstantin Grcic // Mir fällt nichts leicht
29 — Christoph Grünberger // The Age of Data
28 — Barbara Friedrich // An einem Ort leben und designen
27 — Emilie Burfeind // Material Groove
26 — Lea Schücking und Leya Bilgic // Können Fliesen ethisch sein?
25 — Olaf Barski // Medical Design kann Leben retten
24 — Nina Sieverding und Anton Rahlwes // Es geht nicht um die ideale Form
23 — Dr. Keneilwe Munyai // From Design ‚for‘ to Design ‚with‘
22 — Uwe Melichar // Das Wort ‚Müll‘ muss weg
21 — Fabian Winopal und Tim Fleischer // Tatort Tatcraft
20 — Frauke Burgdorff // Städtische Baupolitik und Gemeinwohl
19 — Wettbewerb für weltverbesserndes Design
18 — Alexander Wagner // Geschichten in den städtischen Raum tragen
17 — Katja Lis // Schöne neue Arbeitswelt?
16 — Simone Leitenberger // Design bewegt Menschen, verantwortlich zu handeln
15 — Prof. Dr. Dr. Volker Mosbrugger // Der Weg vom Wissen zum Handeln ist unendlich weit
14 — Sebastian Herkner // Handwerk muss wertgeschätzt werden
13 — Janina Albrecht // Die Stadt vermenschlichen
12 — David Hess // Starthub für Start-ups
11 — Shirin Brückner // Ausstellungen mit allen Sinnen erlebbar machen
10 — Dr. Frauke Fischer // Design und Biodiversität gehören zusammen
09 — Raphael Gielgen // Wir müssen in das Kollektiv zurückfinden
08 — Daniel Cohn-Bendit // Wir haben ein falsches Effizienzdenken
07 — Anette Lenz // à propos
06 — Prof. Annette Bertsch // Eine gemeinsame Sprache finden
05 — Benedikt Wanner // Von der Wiege zur Wiege
04 — Madita Morgenstern Antao // Soziales Design in der Praxis
03 — David Gilbert // Digital Design braucht Struktur und Gespür
02 — Uli Mayer-Johanssen // Zusammen neue Perspektiven öffnen
01 — Friedrich von Borries // Was ist gutes Design?
135 — Bianca Herlo
Digital Justice. Now.
Bianca Herlo ist Designforscherin, Gestalterin und Dozentin mit den Schwerpunkten Civic Design, Social Design und Digital Justice. Sie ist Forschungsgruppenleiterin am Weizenbaum-Institut für die vernetzte Gesellschaft und verwaltet die Professur für Designwissenschaft an der HBK Braunschweig.
Im Fokus ihrer Arbeit stehen Fragen nach sozialer und digitaler Teilhabe und nach der gesellschaftlichen Verantwortung von Design im Kontext des digitalen Wandels. In ihren Projekten geht es darum, verschiedene Perspektiven und Wissensformen mit dem Ziel einer gerechteren Digitalisierung zusammenzubringen. Themen wie Migration und gesellschaftlicher Wandel liegen der aus Rumänien Eingewanderte besonders am Herzen. Ihre praxisbasierte Forschung gestaltet sie integrativ und transdisziplinär, sie arbeitet zusammen mit Wissenschaftler*innen verschiedener Disziplinen sowie mit Künstler*innen, Aktivist*innen, politischen Entscheidungsträger*innen und Vertreter*innen der Zivilgesellschaft – aus der Überzeugung heraus, dass man, wenn es um transformative Forschung und Praxis geht, nur im Dialog miteinander und grenzübergreifend vorankommt.
Bianca engagiert sich in zahlreichen wissenschaftlichen Gremien und Netzwerken. Sie ist Gründungsmitglied des internationalen Social Design Network und Mitglied im iGDN. Seit 2021 ist sie Vorsitzende der Deutschen Gesellschaft für Designtheorie und -forschung (DGTF). 2022 richtete sie gemeinsam mit UdK-Kolleg*innen die Weizenbaum Conference aus, die sich mit Souveränitätspraktiken als Voraussetzung für eine kritische Teilhabe am digitalen Wandel auseinandersetzte. Zu ihren jüngsten Aktivitäten gehört der Podcast „Purple Code. Intersectional Feminist Perspectives on Digital Technologies“, den sie mit Sana Ahmad und Lena Ullrich vom Weizenbaum-Institut hostet.
134 — Kai Vöckler & Peter Eckart
Gemeinwohl & Mobilitätsdesign
Prof. Dr. Kai Vöckler ist Urbanist in Offenbach am Main. Gründungsmitglied von Archis Interventions. Stadtentwicklungsprojekte in Deutschland und Südosteuropa. Stadtforschungsprojekte in Europa und Asien. Wettbewerbe und städtebauliche Projekte mit Landschaftsarchitekten und Architekten. Publikationen zu kunsttheoretischen und urbanistischen Themen. Promotion in Kunstwissenschaft über Raumbilder des Städtischen. Kurator von Ausstellungen an europäischen Kulturinstitutionen. 2010–2021 Stiftungsprofessur für Kreativität im urbanen Kontext. Seit Wintersemester 2021 Professor für Urban Design am Fachbereich Design der Hochschule für Gestaltung (HfG) Offenbach. Zusammen mit Peter Eckart hat er mit dem OIMD – Offenbach Institute of Mobility Design den Forschungsschwerpunkt Mobilitätsdesign etabliert.
Prof. Peter Eckart ist Designer in Frankfurt. Er studierte an der GHS Wuppertal und der HfbK Hamburg bei Prof. Peter Raacke und Prof. Dieter Rams. Bis 1993 arbeitete er als Produktdesigner bei Braun. Bis 2000 arbeitet er gemeinsam mit Olaf Barski als Eckart+Barski Design und heute mit unit-design in Frankfurt und Bern. Für Kunden wie die Stadt Frankfurt, EZB, FraPort, Lufthansa, Deutsche Bahn, Karlsruher Verkehrsverbund, Deutsche Bank, City of Riyadh, City of Paju, Roche, Siemens u.a. entwickelt das Büro Design im öffentlichen Interesse und Mobilität. Nach Lehraufträgen an der Hochschule Darmstadt ist Peter Eckart seit 1999 Professor für „Integrierendes Design“ an der HfG-Offenbach und Vizepräsident. Zusammen mit Kai Vöckler hat er mit dem Offenbach Institute of Mobility Design (OIMD) den Forschungsschwerpunkt etabliert.
133 — Thilo Schwer
Serious Games & Produktsprache
Thilo Schwer ist Produktgestalter und Designwissenschaftler. Er studierte 1993–2001 an der Schule für Gestaltung in Basel und der HfG Offenbach. 2002 erfolgte mit Sybille Fleckenstein und Jens Pohlmann die Gründung des Designstudios speziell® in Offenbach, das für bekannte Unternehmen im Konsumgüterbereich tätig ist. Die Entwürfe von speziell® wurden mehrfach international ausgezeichnet.
Ab 2006 widmet sich Thilo Schwer designwissenschaftlichen Themen. Seine Promotion 2014 an der Folkwang Universität in Essen trug den Titel „Produktsprachen: Design zwischen Unikat und Industrieprodukt“. Seit 2011 lehrt er Designgeschichte, Designtheorie, Designmethodologie und Theorien der Produktsprache – u. a. an der Folkwang Universität der Künste, der Goethe Universität in Frankfurt/Main und der HfG Offenbach. 2019/20 war er Vertretungsprofessor für Produktsprache und Produktdesign an der HfG Offenbach.
Seit 2019 ist Thilo Schwer Professor für Designgeschichte und -theorie, ab 2021 Leiter des Instituts für Kunst- und Designwissenschaft an der Hochschule der bildenden Künste in Essen (HBK Essen). Schwerpunkte seiner Arbeit liegen in der Theorie der Produktsprache, der Erforschung von Gestaltungsmitteln im Kontext historischer und zeitgenössischer Entwicklungen sowie in den Methoden des Designs im Entwurfsprozess. Thilo Schwer ist Gründungsmitglied von design inclusion e.V. und Vorstand der Gesellschaft für Designgeschichte e.V. (GfDg). Gemeinsam mit Siegfried Gronert initiierte er die Schriftenreihe der GfDg, die er seit 2021 zusammen mit Melanie Kurz herausgibt (2023: Design für Spiel Spaß Spannung – Gestaltung von Artefakten zum spielerischen Handeln, 2022: Raster, Regeln, Ratio – Systematiken und Normungen im Design des 20. Jahrhunderts, 2021: Designentscheidungen – Über Begründungen in Entwurfsprozessen). 2021 erschien in Herausgabe mit Kai Vöckler „Der Offenbacher Ansatz – Zur Theorie der Produktsprache“, 2022 zusammen mit Melanie Kurz „Geschichte des Designs“ in der Reihe „Wissen“ von C. H. Beck.
132 — Jochen Rädeker
Design; Management
Jochen Rädeker gehört als Designer, Stratege, Lehrender und Autor zu den profiliertesten Kreativen in Deutschland. Er studierte 1988 – 1994 Grafikdesign an der Kunstakademie Stuttgart und machte sich noch im Studium selbständig. 1996 gründete er neben einer Eventagentur zusammen mit Kirsten Dietz die Designagentur strichpunkt und 2013 das Designlabel type hype. Bis heute ist er Geschäftsführer der Firma Strichpunkt, die mit Hauptsitzen in Stuttgart und Berlin zu den größten und renommiertesten Designagenturen der Republik gehört. Strichpunkt betreut heute mit rund 130 Mitarbeiter*innen als globale Leadagentur die Marken u.a. von Audi, DFB, DHL, der F.A.Z, Otto Group oder Skoda. Strichpunkt hat darüber hinaus vielfach ausgezeichnete Markenauftritte u.a. für die Commerzbank, Daimler, delivery hero, die Ruhrtriennale, die Staatstheater Stuttgart und Dresden, den SWR oder Vorwerk sowie für große chinesische Unternehmen wie deli oder Weima geschaffen und rund 500 Geschäfts- und Nachhaltigkeitsberichte für Unternehmen von A wie adidas bis Z wie Zalando konzipiert. Aufsehen erregten u.a. das erste komplett digital gedachte und vollständig gecodete Corporate Design (für Audi 2016, auch der Relaunch 2021 stammt von Strichpunkt) und der erste Einsatz von künstlicher Intelligenz für ein Brand-Portal (für die DHL 2018). Seit 2021 ist Strichpunkt Teil der myty group ag, deren Strategy Board Jochen leitet. Seit 2012 ist er außerdem Professor für Corporate Design und Corporate Identity an der hochschule konstanz, forscht u.a. zur Wahrnehmungspsychologie und ist seit 2019 Dekan der Fakultät für Architektur und Gestaltung. Zuvor war er neun Jahre Vorstandsmitglied des Art Directors Club für Deutschland (adc), von 2009 bis 2012 als dessen Präsident. Jochen Rädeker berät Unternehmen und Institutionen in der Marken- und Kommunikationsstrategie, gibt Seminare und führt Workshops durch. Er hat mehrere Bücher geschrieben, ist regelmäßig Keynote Speaker bei internationalen Kongressen und Juror bei diversen Awards. Er ist verheiratet, hat einen erwachsenen Sohn und zwei kleine Kinder und lebt am Bodensee. Neben seinen Kindern, Professur und Agentur beschäftigt er sich mit eigenen Kunst- und neuen Buchprojekten, Kulinarik und nachhaltiger Gemeinschaftsverpflegung, kocht und segelt gerne und renoviert eine alte Mühle.
131 — Michaela Leitner
Fem Facts und Gender Gaps
Michaela Leitner ist freiberufliche Designerin und Lettering Artist in Augsburg. Sie studierte Graphic Design an der Falmouth University in Cornwall, Kommunikationsdesign (B.A.) und Transformation Design (M.A.) an der Hochschule Augsburg. Heute gestaltet sie Kommunikation und – im besten Fall – Veränderung.
Schon seit Jahren beschäftigt sie sich mit dem Thema Gleichberechtigung und der Frage, wie sie als Designerin dieser Thematik im Alltag zu mehr Aufmerksamkeit verhelfen kann. Ob durch Text, Illustration, Grafik, Lettering oder auch mal (schlechten) Humor und Sarkasmus – um dieses Ziel zu erreichen sind ihr fast alle Mittel recht.
Für ihre Bachelorarbeit schrieb sie 2018 Auszüge aus dem Grundgesetz händisch: Unperfekt und gegensätzlich und dennoch am Ende eine visuelle Einheit. Am Ende des Experiments entstand eine neonfarbene Siebdruckserie.
Ihre Masterarbeit 2021 in Transformation Design endete in einem knapp 200-seitigem, illustrierten Sachbuch: „FemFacts – Von Sexismen, Gender Gaps und anderen Absurditäten“, welches 2022 bei &Töchter in München erschien. Das Buch ist eine feministische Bestandsaufnahme – manchmal amüsant, meistens haarsträubend.
130 — Ursula Tischner
Eco- statt Ego Design
Ursula Tischner ist eine deutsche Designerin, Design-Forscherin, Design-Beraterin und Design-Lehrende mit Schwerpunkt Design für Nachhaltigkeit, Circular Design, Social Design und Ecodesign. Sie studierte Architektur and der Rheinisch-Westfälischen Technischen Hochschule Aachen, Objekt Design/Kunst im öffentlichen Raum an der Fachhochschule Aachen und Produkt-Design/Industrial Design an der Universität Wuppertal. Bereits während des Studiums in den frühen 1990er Jahren fokussierte sie auf ökologisch und sozial sinnvolles Design von Produkten, Dienstleistungen und Systemen. Nach ihren Bachelor und Masterabschlüssen war sie über 4 Jahre im Wuppertal Institut für Klima, Umwelt und Energie tätig, wo sie forschte und ihre ersten Publikationen verfasste. Im Jahr 1996 gründete sie econcept, Agentur für nachhaltiges Design in Köln und leistete damit Pionierarbeit im Bereich des Eco- und nachhaltigen Designs. Seitdem berät sie mit econcept Unternehmen im Bereich des nachhaltigen Designs, führt Forschungsprojekte durch, entwickelt und gestaltet Lösungen, publiziert und ist in Aus- und Weiterbildung im In- und Ausland tätig.
Wichtige Stationen in ihrer Lehrtätigkeit seit 1995 waren zum Beispiel: Professur für Ecodesign an der Design Academy Eindhoven, und Leitung // Langjährige Lehre zum Thema Öko-Design an der Züricher Hochschule der Künste im Fachbereich Design, CH // Leitung des Masterprogramms Sustainability Design am Savannah College of Art and Design, USA // Leitung des Masterprogramms Eco-innovative Design an der Fachhochschule Joanneum in Graz, AT // An der Wilhelm Büchner Hochschule, Darmstadt verantwortet Ursula Tischner als Professorin für nachhaltiges Design den Bachelor Studiengang „Nachhaltiges Design“.
Ursula Tischner konzipierte, leitete und beteiligte sich an diversen Forschungsprojekten im Bereich des nachhaltigen Designs und der Innovation für Nachhaltigkeit. Beispielhafte Forschungsvorhaben sind: BB Clean Interreg Projekt zur „sauberen“ Verbrennung/ Nutzung von Biomasse im Alpenraum // Sustainability Maker, open innovation, crowd sourcing and crowd funding for Sustainable Solutions, europäisches LIFE Projekt // SCORE – Sustainable Consumption Research Exchange, europäisches Forschungsnetzwerk zum Thema Nachhaltige Produktions- und Konsumsysteme // SusProNet – Sustainable Product Service Network, europäisches Forschungsnetzwerk zum Thema Nachhaltige Produkt-Dienstleistungssysteme // MEPSS – Product Service Systems Methodology, europäisches Forschungsprojekt zum Thema Methoden zur Gestaltung und Evaluierung von Produkt-Dienstleistungssystemen. Entwicklung eines Toolkits für Industrie. // NIOS – Nachhaltige Innovationen im Outdoor-Sport-Sektor (Deutsche Bundesstiftung Umwelt, DBU) // ecobiente – Nachhaltige Güter erfolgreicher gestalten und vermarkten, emotionale und ästhetische Aspekte des nachhaltigen Designs (Bundesministerium für Bildung und Forschung, BMBF) // Das Nachhaltige Büro, Systeminnovationen für Nachhaltigkeit (Bundesministerium für Bildung und Forschung, BMBF) // Ecodesign im gestaltenden Handwerk, Integration von ökologischen Kriterien in die tägliche Entwicklungspraxis, in Zusammenarbeit mit der Akademie für Gestaltung im Handwerk der Handwerkskammer Aachen (Bundesministerium für Wirtschaft und Technologie und Ministerium für Wirtschaft und Energie des Landes Nordrhein-Westfalen) // Green Fashion Niederlande, nachhaltige Gestaltungsstrategien und Supply Chains für die Bekleidungsindustrie (gefördert von senter novem) // Erfolgsstrategien für Produkt-Dienstleistungssysteme, Entwicklung einer erfolgversprechenden Planungsstrategie für Anbieter von Produkt-Dienstleistungssystemen (PSS) in Österreich (Bundesministerium für Verkehr, Innovation und Technologie, Österreich) // Zahlreiche Publikationen, Vorträge auf Konferenzen, Beteiligung an Netzwerken und Design Jurys oder Standardisierungsorganisationen, sowie Gutachtertätigkeiten begleiten die Arbeit der Design-Forscherin.
129 — Fritzi Köhler-Geib & Hannah Helmke
Wege zur ökonomischen Transformation
Dr. Fritzi Köhler-Geib ist Chefvolkswirtin und Direktorin Volkswirtschaft der KfW Bankengruppe in Frankfurt am Main. Sie hat über 17 Jahre Erfahrung bei der Weltbank, dem internationalen Währungsfonds und im Finanzsektor, davon zuletzt seit 2017 als Chefvolkswirtin für Zentralamerika bei der Weltbank. Regionale Schwerpunkte ihrer wirtschaftspolitischen Beratungstätigkeit und volkswirtschaftlichen Forschung liegen in Deutschland, Europa, Lateinamerika, Asien und Afrika.
Nach der Promotion in Volkswirtschaftslehre an der Ludwig Maximilian Universität München und der Pompeu Fabra University, Spanien, wurde ihr das Lizentiat der Wirtschaftswissenschaften an der Universität St. Gallen erteilt. Daran schloss sich der CEMS Master in International Management: HEC Paris/University of Michigan/Universität St. Gallen an. Bevor sie in 2019 zur Chefvolkswirtin Direktorin Volkswirtschaft KfW Bankengruppe in Frankfurt am Main ernannt wurde, war sie Chefvolkswirtin Zentralamerika bei der Weltbank, Washington D.C., USA, Senior Economist Macro Fiscal Management Global Practice Lateinamerika bei der Weltbank und Economist Poverty Reduction and Economic Management Network Economic Policy Department und Lateinamerika Weltbank, Washington D.C., USA. Sie kennt sich also mit Entwicklungsländern, Armutsbekämpfung, Makroökonomie und Prognostik bestens aus.
Hannah Helmke ist Gründerin und CEO des Climate-Tech-Unternehmens right°. Ihr Fokus auf wirtschaftliches Handeln in unserer vom Klimawandel betroffenen Welt ist das Ergebnis der Kombination ihrer beiden akademischen Disziplinen: Psychologie und International Business. Hannah folgt ihrer festen Überzeugung, dass ein wissenschaftlich fundierter Ansatz der beste Weg ist, um das emotional aufgeladene Feld der Klimastrategie von Unternehmen zu bewältigen. Bevor sie right° gründete, arbeitete sie für den IT-Dienstleister BridgingIT und die Deutsche Post DHL Group. Dort erforschte sie die Potenziale der Digitalisierung zur Erreichung von Nachhaltigkeitszielen und arbeitete an der Einführung von wissenschaftsbasierten Zielen als Berichtsinstrument. Unter ihrer Leitung wurde right° mit dem renommierten Next Economy Award 2020 ausgezeichnet. Sie selbst wurde mit dem Digital Female Leader Award 2020 in der Kategorie „Nachhaltigkeit“ sowie mit dem „Female Founders Award“ der AmCham Germany 2021 ausgezeichnet.
128 — Carsten Broda
Kulturpolitische Positionen
Dr. Carsten Brosda ist Senator für Kultur und Medien in Hamburg. Zuvor war er als Staatsrat für Kultur, Medien und Digitales und Bevollmächtigter des Senats für Medien tätig. Seit 2018 ist er Co-Vorsitzender der Medien- und Netzpolitischen Kommission des SPD-Parteivorstandes, seit 2019 Vorsitzender des Kulturforums der Sozialdemokratie und seit 2020 Präsident des Deutschen Bühnenvereins.
Zuvor leitete Carsten Brosda die Abteilung Kommunikation des SPD-Parteivorstands in Berlin und stellvertretend den Leitungs- und Planungsstab im Bundesministerium für Arbeit und Soziales. Er studierte Journalistik und Politik an der Universität Dortmund und promovierte nach einem Volontariat bei der Westdeutschen Allgemeinen Zeitung zum Thema „Diskursiver Journalismus“.
Bettina Knoth, ehemalige DDC Vorstandssprecherin und DDC Mitglied, hat sich im DDCAST 128 mit ihm ausgetauscht.
127 — Juli Gudehus
Icon Spell: Visuelle Weltsprache
Die Spezialität von Juli Gudehus ist das Besondere. Äpfel und Birnen zu vergleichen, ist ihr tägliches Brot.
Sie gestaltet, berät, begleitet, recherchiert, regt sich auf, regt an, schreibt und sammelt. Sie lernt und lehrt, zählt Erbsen, zagt, fragt, wagt und wundert sich. Sie liebt es, Verbindungen herzustellen zwischen Phänomenen, Menschen und Dingen. Sprache und Alltagskultur sind ergiebige Quellen für ihre experimentelle, poetische und kluge Arbeit. Sie strahlt, wenn davon Funken überspringen und Menschen zum Lächeln bringen.
Bekannt wurde Juli durch ihre „Genesis“, eine Übersetzung der biblischen Schöpfungsgeschichte in zeitgenössische Hieroglyphen. Sowohl diese als auch ihr 3.000-seitiges „Lesikon der visuellen Kommunikation“ wurden schon verschiedentlich als Designerbibel bezeichnet. An beide Werke knüpft sie in ihrer aktuellen Arbeit an: in ihrem „Icon spell“ Projekt geht es um die Erschaffung einer visuellen Weltsprache aus aneinandergereihten Bildzeichen mithilfe von Schwarmintelligenz.
Während die einen finden, dass Juli immer wieder ganz was anderes macht, sehen andere den roten Faden: die gelungene Balance zwischen spielerisch und pur. Manche Arbeiten, wie ihr Abreißkalender „mindestens haltbar bis“ – sind so verblüffend einfach, dass man eigentlich selbst hätte drauf kommen können.
Julis Credo lautet: „Es ist eine Kunst, am richtigen Ort falsch zu sein“. Für Stefan Sagmeister ist sie „probably the purest conceptual designer I know“.
126 — Mona Mijthab
Sozialunternehmerin in Guatemala
Mona Mijthab ist Sozialunternehmerin, Dozentin und Designerin mit Fokus auf zirkuläres Produkt- und Servicedesign und soziale Innovation. Ihre Leidenschaft ist es, komplexe Herausforderungen zu lösen und große Projekte zu managen, wobei sie andere Menschen inspiriert und Teams mit hoher Diversität leitet. In ihrer Arbeit wendet sie partizipative Methoden an, um diverse Akteure in den Designprozess einzubeziehen.
2016 gründet sie MOSAN, ein Sozialunternehmen, das die Lebensbedingungen in einkommensschwachen Gemeinden mit Zugang zu sicheren sanitären Einrichtungen verbessert. Aus den menschlichen Fäkalien werden biologische Pflanzenkohle-Dünger für die Landwirtschaft produziert. Die Pflanzenkohle sorgt für ein dauerhaftes Speichern von Kohlenstoff im Boden, was MOSAN zu einer klima-positiven Lösung macht. Aktuell bietet Mosan seine Sanitär Services in Maya-Gemeinden in Guatemala an.
Sie ist seit mehr als 6 Jahren Dozentin und Forscherin an der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) und ist Teil des Kernteams im Weiterbildungsprogramm „MAS Strategic Design“, wo sie Kurse entwickelt und leitet, so z.B. „Design Thinking for Social Innovation“, „Design Methods – User Research“, „Design Cultures“ und „Intercultural Competencies“. Seit 2014 ist Mona Mitglied des IDIN-Netzwerks am MIT D-Lab, ein Kompetenzbereich des MIT, welcher sich mit der Lösung komplexer Fragestellungen in Krisengebieten befasst. Sie arbeitet dabei an Forschungsprojekten, und leitet Workshops und Innovationsprozesse (z. B. in Kenia, Tansania, Marokko, Kolumbien, Guatemala).
Mona hat ihren Bachelor in Industriedesign an der Hochschule Magdeburg-Stendal und einen Master in Produktdesign an der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) erworben. Neben ihrer professionellen Tätigkeit begeistert sie sich für Permakultur, Gärtnern und Fermentation.
125 — Christian Daul
Der Wortarbeiter
Christian Daul ist Geschäftsführer der Markenberatung REINSCLASSEN, die als GWA-Mitglied mit Büros in Hamburg, Frankfurt am Main und Baden-Baden vertreten ist. Der gelernte Bankkaufmann und Diplom-Betriebswirt hat früh seine Leidenschaft fürs Schreiben entdeckt und in Schülerzeitung, eigenen Blättern und lokalem Journalismus ausgelebt. Bücher und Magazine zogen ihn immer schon magisch an und er liest bis heute querbeet fast alles, was ihm in die Hände fällt. Nach dem Studium an der FH für Wirtschaft in Pforzheim startete er folgerichtig 1993 als Texter bei Michael Conrad & Leo Burnett in Frankfurt. Bereits in seiner zweiten Station bei Lowe & Partners wurde er Ende der 90er jüngster Kreativchef einer Network-Agentur in Deutschland und textete dort u.a. für Braun und Opel. Seine Arbeiten in Text und Konzeption gewannen schon zu dieser Zeit zahlreiche nationale und internationale Auszeichnungen. Weitere Stationen als Creative Director oder Geschäftsführer führten ihn über Jung von Matt in Hamburg und McCann-Erickson Hamburg und Frankfurt als CCO zu Young & Rubicam, wo er auch im European Board und in der Jury der Cannes Lions saß und einen Grand Prix bei den New York Festivals gewann. Danach zog es ihn 2009 in die digitale Welt, wo er bei Scholz & Volkmer als Geschäftsführer in Wiesbaden und Berlin maßgeblich für die Bereiche Text/Konzeption und Presse verantwortlich war. Hier betreute er u.a. Mercedes-Benz, Deutsche Bahn, Lufthansa und Coca-Cola. In Frankfurt und Salzburg war er danach bei Kastner & Partner für Red Bull und das Media House im Bereich Digital und Content aktiv. Als Geschäftsführer Europa lernte er bei Spark44 auch die internationale Kundenseite kennen und war für die Koordination der gesamten Kommunikation von Jaguar und Land Rover in allen Märkten Europas verantwortlich. Armin Reins und Veronika Classen als Gründer holten ihn 2019 an die Spitze der 2005 gegründeten Markenberatung REINSCLASSEN, die das Thema Corporate Language im deutschsprachigen Raum entwickelt und bekannt gemacht hat. In mittlerweile 3 Büchern zu diesem Thema hat REINSCLASSEN immer neue Aspekte zum Thema Markensprache aufgezeigt und weiterentwickelt. Im letzten Praxisbuch, das 2020 im Hermann Schmidt Verlag erschienen ist, war Christian Daul bereits als Autor dabei. Er kümmert sich insbesondere um digitale Aspekte des Themas, die sich in Chatbots, Sprachassistenten, Voice Design und Micro-Copy (UX-Writing) zeigen. Außerdem interessiert er sich sehr für Sprach-Entwicklungstrends wie Gendern, Jugend- und Einfache Sprache. Neben digitalen Kanälen hat er als Texter ein großes Faible für Plakat und Radio, weil hier jedes Wort besonderes Gewicht hat. Im DDC ist er Mitglied seit 2006 und war 5 Jahre im Vorstand. Er ist Mitglied im Art Director’s Club für Deutschland (ADC) und Autor in Fachbüchern und Branchendiensten und immer wieder auch als Sprecher bei Kongressen und Fachmessen. Wenn nicht mit Buchstaben, dann arbeitet er gerne an seiner Sitzmöbel-Sammlung oder sucht statt nach Worten nach Fossilien. Außerdem hat er schon immer ein scharfes Design-Auge auf alles, was zwei Räder hat.
124 — Matthias Wagner K
„gestalten wir, wie wir leben wollen!“
Prof. Matthias Wagner K leitet die Bewerbung Frankfurt RheinMain World Design Capital 2026. Hierfür entwickelte er den Claim „Design for Democracy. Atmospheres for a better life“. Die für den DDCAST 124 im Studio unverändert neu eingesprochen Rede hielt er anlässlich des Tages der Deutschen Einheit am 3.10.2022 in der Frankfurter Paulskirche.
Matthias Wagner K ist Ausstellungsmacher, BiennaleLeiter, Kurator, Autor und seit 2012 Direktor des Museum Angewandte Kunst in Frankfurt am Main. Binnen nur eines Jahres positionierte er das Museum mit einem gänzlich überarbeiteten Ausstellungs- und Partizipationskonzept neu.
Mit seinen wechselnden thematischen Ausstellungen richtet es seither den Fokus auf die Wahrnehmung gesellschaftlicher Strömungen und Entwicklungen. Das Museum versteht es sich als ein Ort für sinnliche Denk- und Erfahrungsräume, für Gespräche und kritische Diskurse. Es zählt mittlerweile zu den international angesehensten und profiliertesten Museen seiner Art. Matthias Wagner K bekleidet zudem seit 2018 eine ehrenamtliche Honorarprofessur für Design Curating and Criticism an der HfG Offenbach, ist einer der drei Intendant*innen für Theater der Welt 2023 Frankfurt / Offenbach. Er ist Mitglied im Kuratorium der Peter und Irene Ludwig Stiftung und der Stiftung Urban Future Forum e.V.
Diese Folge des DDCAST ist in Kooperation mit der Wirtschaftsförderung Frankfurt zu den Themen rund um Design for Democracy entstanden.
123 — Thomas Rempen
Kurt Weidemann zum 100.
Kurt Weidemann (1922–2011) war einer der prägenden Gestalter und Typografen des 20. Jahrhunderts. Von ihm stammen Corporate Designs zahlreicher Konzerne, neben Mercedes Benz, der Deutsche Bahn, Porsche und Zeiss gehört auch co op dazu. Die von ihm gezeichnete Schriftfamilie Corporate A.S.E. für Mercedes Benz gehören zu den weltweit besten Corporate Schriften. Die Biblica (1979), die ITC Weidemann und die Klett Domus sind herausragende Beispiele für perfekt durchgearbeitete Schriften. Er studierte an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart, wo er später auch lehrte. Von 1965 bis 1985 hatte er den Lehrstuhl für „Information und Grafische Praxis“ inne. Neben seiner typografischen Tätigkeit und seinen Corporate Designs ist seine schriftstellerische Tätigkeit bemerkenswert. Er pflegte, nicht zuletzt durch ein regelmäßiges Culturfrühstück bei ihm zu Hause, einen großen Freundeskreis und war mit zahlreichen Künstlern aller Genres, sowie mit Politikern und Wirtschaftsführern von Weltrang eng befreundet.
Thomas Rempen (*1945) studierte an der Kunstakademie Stuttgart u.a. bei Kurt Weidemann. Später arbeitete er mit Kurt Weidemann u.a. für den Kunden Daimler Benz und war ihm lebenslang als Freund verbunden. Nach dem Diplom an der Werkkunstschule Wuppertal gründete er 1972 mit Partnern seine erste Werbeagentur. Rempen & Partner, seine 1994 gegründete zweite Agentur, zählte zu den kreativsten des Landes. Die Agentur-Tochter wysiwyg software design konzipiert mit „Spiegel Online“ das erste Online-Magazin der Welt. Im Anschluss an die erfolglose Suche nach geeigneten Büroräumen, entwickelte er 1989 mit der Stadt Düsseldorf für den alten Hafen einen Architekturpark. Dort baute er mit Frank Gehry von 1994–98 den Neuen Zollhof. Thomas Rempen lebt heute im Münsterland, wo er auf dem eigenen Biolandbau-Betrieb als Projektentwickler arbeitet. 2011 bekam er das Verdienstkreuz 1. Klasse der Bundesrepublik Deutschland zuerkannt.
122 — Hans Ulrich Reck
Design / Theorie
Hans Ulrich Reck, geboren 1953 in Schönenwerd (Schweiz), aufgewachsen in Basel, verheiratet mit Christine Bruggmann, der Mutter einer gemeinsamen, mittlerweile erwachsenen Tochter, ist Philosoph, Kunstwissenschaftler und Publizist, hat an etlichen Ausstellungen mitgearbeitet und viele Symposien organisiert, veranstaltet und moderiert, einige davon mit dezidiert internationalem und forschungsinnovativem Zuschnitt. Er hat, weltweit, Vorträge gehalten, Workshops im In- und Ausland durchgeführt, zahlreiche Bücher verfasst und herausgegeben sowie, noch zahlreicher, Essais für Zeitungen, Zeitschriften, vorwiegend aber für in verschiedenen Verlagen erschienene Sammelbände geschrieben. Er publizierte ab 2001, eine Pionierleistung, die aus heutiger Sicht trivial und selbstverständlich geworden ist, „audiolectures“ im Netz. Es handelt sich um Radio mit Bildern, was kein Streaming darstellt und auch kein e-learning bezweckt. Eine Vorform der später erst bekannt gewordenen Blog-Möglichkeiten war zwar vorgesehen, blieb aber ein rudimentärer Ansatz. Reck ist Autor einer Doppel-Audio-CD und entwickelte nach 2008 ein neuartiges Editionskonzept einer interaktiv veränderbaren Gesamtausgabe von Schriften, Texten, Textstufen, für welches ein Team von Wissenschaftlern, Programmieren, Designern vorgesehen war, die ein maschinisch gestütztes, partizipatives, flexibel jederzeit veränderliches Gesamtwerk zu entwickeln beabsichtigten („deep learning“, „big data“ waren damals ebenfalls noch nicht so geläufige Kategorien).
Reck war die letzten sechs Jahre seines institutionellen Berufslebens, von 2014 bis zu seiner Pensionierung im April 2020 Rektor der Kunsthochschule für Medien Köln, und in dieser Periode für drei Jahre Sprecher der Rektorenkonferenz der deutschen Kunsthochschulen. In beiden Aufgaben setzte er sich unbedingt für eine Kunstpraxis ein, die auf vollkommener Freiheit und radikalem Experiment beruht. Zurück zu einigen Anfängen.
Hans Ulrich Reck studierte – u. a. bei Ernst Bloch, Walter Schulz, Otto F. Bollnow, Helmut Fahrenbach, Josef Simon, Konrad Hoffmann, Donat de Chapeaurouge, Klaus Schwager, Jürgen Paul, Hans Ott, Hans Mayer, Walter Jens und Wilfried Barner – Philosophie, Kunstgeschichte und neuere deutsche Literaturwissenschaft an der Universität Tübingen (Abschluss mit dem Magister Artium 1976; Gesamtnote: 1) und Kommunikationsdesign – bei Bazon Brock – an der Bergischen Universität Wuppertal. Er wurde dort 1989 in Philosophie mit einer Arbeit über Ästhetiken in aktuellen Kulturtheorien promoviert (mit dem Gesamtprädikat summa cum laude) und habilitierte sich 1991 mit der venia legendi für „Ästhetik und allgemeine Kunstwissenschaft“ auf Grundlage der Schrift „Zugeschriebene Wirklichkeit. Alltagskultur, Design, Kunst, Film und Werbung im Brennpunkt von Medientheorie“.
Von 1976 an arbeitete er als Journalist und freier Autor/ Publizist, seit 1979 außerdem als Lehrer, 1987 erwarb er am Pädagogischen Institut/ Kantonalen Lehrerseminar Basel Stadt eine Lehrbefähigung in „Kunstvermittlung/ Kunsterziehung“ (gymnasiale Oberstufe). 1976 bis 1987 vielfältige Tätigkeit in der Erwachsenenbildung, u. a. an verschiedenen Volkshochschulen und Schulen für soziale Arbeit sowie, von 1977 bis 1984 als Berater der „Stiftung Studienbibliothek zur Geschichte der Arbeiterbewegung“ in Zürich. 1979 Mitgründer, war er bis 1981 auch Leiter eines Kultur- und Veranstaltungszentrums in Basel, 1983 bis 1986 Redakteur des „Bulletin des Schweizerischen Bühnenverbandes“, das er neu konzipierte und drei Mal pro Jahr zur Veröffentlichung brachte. Im Auftrag der Direktion des Schweizerischen Bühnenverbandes verfasste er im Mai 1986 eine Expertise über die Bedeutung von Sponsoring, Theaterkritik, dramaturgischer Förderung im Rahmen neu konzipierter Kulturpolitik.
Aufgrund eines öffentlichen, anonymen Wettbewerbs wurde er 1983 zum Vorsitzenden des Arbeitsrates des Internationalen Design Zentrums (IDZ) in Berlin bestellt – eine Funktion, die er bis 1986 ausübte und die zu einer mit dem Direktor des IDZ François Burkhardt abgestimmten, reichhaltigen Veranstaltungstätigkeit führte. Darin und generell seit dieser Zeit vielfältige, anhaltende Zusammenarbeit mit Bazon Brock. Von 1982 bis 1995 war Hans Ulrich Reck Dozent für Kunstgeschichte, Architektur- und Designtheorie, Visuelle Kommunikation, Semiotik, Ästhetik und Medientheorie an der Höheren Schule für Gestaltung in Basel, von 1989 bis 1995 außerdem an der Höheren Schule für Gestaltung in Zürich. In Basel hielt er in diesen fünfzehn Jahren regelmäßig in Zyklen organisierte – allgemeinbildend relevantes Wissen breit vermittelnde – Überblicksvorlesungen über Europäische Kunstgeschichte von der Antike bis zur Gegenwart sowie über Architekturgeschichte und Designtheorie. In Zürich führte er neben Theorie-Unterricht und Diplomprojekterarbeitungen und -realisierungen auch prägende Theorie-Gestaltungs-Projekte in Kooperation mit Aldo Walker und André V. Heiz durch.
Im Kontext der Lehre und gemäß der Auffassung von der Einheit der Künste und der unverzichtbaren Analyse der Kunst an den Originalen wurden – neben stetigen Übungen in Kunst- und anderen Museen an den Unterrichtsorten – seit 1985 zahlreiche kunst-, kultur-, stadt- und architekturgeschichtlich geführte Exkursionen/ Studienreisen zu Themen von der Renaissance bis zur Gegenwart durchgeführt u. a. nach/ durch Stuttgart/ Frankfurt (1989); Mönchengladbach/ Düsseldorf/ Köln (1992); Köln/ Bonn (2000); Wien (1987, 1989, 2005); Rom (1985, 1988, 2001); Burgund und Übergänge (1987: Dijon, Autun, Vézelay, Orléans, Chartres, Paris; 2007: Tournus, Chapaize, Autun, Vézelay, Fontenay, Beaune, Dijon); Paris (1987, 1991, 1998); Prag (1991); Moskau/ Leningrad (1985); Istanbul (1989); Berlin (1997); Barcelona (2003); Como/ Padua/ Ferrara/ Sabionetta/ Mantua/ Ravenna/ Udine/ Palma Nova/ Venedig (1999); Palermo/ Cefalú/ Segesta/ Erice/ Mazara del Vallo/ Castelvetrano/ Selinunt/ Gibellina (2007); die Pyrenäen (mit Fokussierungen zu/ in: Perpignan/ Elne/ Céret/ Serrabone/ St. Michel-de-Cuxa/ St- Martin-du-Canigou, Collioure/ Port Bou/ San Pere de Roda/ Figueres/ Barcelona 2003); Flandern/ Brabant (Brügge/ Gent, Antwerpen/ Bruxelles 2004), Cordoba/ Granada (2010), Basel/ Niffer-Kembs/ Belfort/ Ronchamp/ Besançon/ Arc-et-Senans (2011), Nancy (2012), Lyon/ Firminy (2013).
Von 1986 bis 1998 erfolgte die periodisch intensive Zusammenarbeit mit Martin Heller für Ausstellungen, Kataloge, Symposien (Museum für Gestaltung Zürich). Die Projektmitarbeit am Museum für Gestaltung Zürich umfasste alle Nuancierungen von allgemeiner Planungsberatung, situativer Konzeptanalyse (z. Bsp. von „Räume im besetzten Land“, „Sicherheit und Zusammenarbeit“, „Universal. Überall-Immer-Alles“) punktueller Themen- und Projektberatung (z. Bsp. „Anschläge. Plakatsprache in Zürich: 1978-88“, „Mehrwerte“, „Zeitreise. Bilder-Maschinen-Strategien-Rätsel“) bis hin zur ausgreifenden Kooperation und Ko-Realisierung von Ausstellungen. Ohne Zweifel ragt in dieser Periode wegen der großen Resonanz die zwischen 1986 und 1989 auf der Basis langjähriger wissenschaftlicher Recherchen in Teams erarbeitete und realisierte Ausstellung mit dem Titel „Imitationen. Nachahmung und Modell. Von der Lust am Falschen“ heraus (Übernahmen in Hagen und Berlin). Als wichtige Koproduktion mit der Höheren Schule für Gestaltung ist außerdem zu nennen „Euphorie und Elend. Berufsfeld visuelle Gestaltung“ (April 1991-Juli 1992) und die 1996 ausgerichtete Tagung „‚Ästhetik‘ nach der Aktualität des Ästhetischen. Ein Symposium zu Perspektiven der Kulturentwicklung aus Anlass des 60. Geburtstages von Bazon Brock“ (konzipiert, organisiert und moderiert von Hans Ulrich Reck und Martin Heller, mit Vorträgen von Hans Ulrich Reck, Dietmar Kamper, Beat Wyss, Jean-Jacques Lebel, Bazon Brock, Michael Erlhoff, Hinderk M. Emrich, Dirk Baecker).
Von 1984 bis heute sind zu verzeichnen zahllose Vorträge (in deutsch, englisch, französisch), Symposien (als Veranstalter und Beitragender), workshops, Tagungen und weiteres zu den verzweigten Arbeitsgebieten (Philosophie, Ästhetik, Kunstgeschichte, Kunstwissenschaft und -theorie, Architektur und Design, Urbanistik. Semiotik) in vielen Städten Deutschlands, Österreichs und der Schweiz sowie u. a. in Amsterdam, Bombay, Sâo Paulo, Chicago, New York, Rom, Paris, Venedig, Barcelona, Sydney.
Mit Alois Martin Müller und Jörg Huber konzipierte Hans Ulrich Reck die 1991 beginnende Vortragsreihe „Interventionen“ (als Buchreihe erschienen bis 1998 im Verlag Stroemfeld/ Roter Stern Basel/ Frankfurt). 1990/ 91 Konzeption und Herausgabe der Reihe „Querschüsse“ (Keyser Verlag München). 1992-1995 arbeitete er als Vorsteher der Lehrkanzel und Professor für Kommunikationstheorie an der Hochschule für angewandte Kunst in Wien. 1995 wurde Hans Ulrich Reck zum Professor für Kunstgeschichte im medialen Kontext an die Kunsthochschule für Medien Köln berufen. Im Rahmen seiner Arbeit an der KHM entwickelte er mit Siegfried Zielinski und Nils Röller das „Jahrbuch für Künste und Apparate Lab“ (1996-2006 in insgesamt sieben Bänden im Verlag der Buchhandlung Walther König Köln erschienen). Von 2014 an entwickelte Reck zusammen mit dem Verleger Herbert von Halem in Köln eine Buchreihe „Edition KHM“, in der in den folgenden Jahren einige Titel erschienen sind, die von einer Kritik der musealen Ästhetik Europas am Beispiel der dissidenten Künste/ Artefakte Afrikas über eine Thematisierung von Ende und Aktualität der Litfaßsäule, die mediale Ästhetik der Sportberichterstattung als Geschichte der Entstehung des Mediensports, eine Thematisierung der künstlerischen Arbeit „Remotewords“ von Achim Mohné/ Uta Kopp unter dem Titel „Orbitale Irritationen“ und eine Auseinandersetzung mit neuen Werkzeugen und Archiven im Bereich der Fotografie reicht. Die Reihe wurde 2017 eröffnet mit dem Band „Ritualkunst“ zwischen Kult und Museum – Dissonante Ästhetiken am Beispiel Afrikas. Mit einem Beitrag von Christine Bruggmann „Hommage an Afrika“.
Als Expertentätigkeit und Kommissionsmitarbeit von 1993 bis 2002 sind auswahlsweise zu nennen: Wettbewerbsjury für die Neugestaltung der österreichischen Bundestrophäe (1993); Expertenkommission (incl. Mitarbeit in der Jurierung von Wettbewerb/ Planung) der Schule für Gestaltung des Kantons Aargau CH (1990-1994); Mitarbeit in der Berufungskommission für die Erstberufung der künstlerischen Professuren des neu gegründeten Studienbereichs „Neue Medien“ an der Hochschule für Kunst und Gestaltung Zürich (1998); Mitgliedschaft in der Berufungskommission für die Bestellung der Departementsleitung „cultural studies“ an der Hochschule für Kunst und Gestaltung Zürich (2000) und als externes Mitglied in der Berufungskommission für die Bestellung der C4-Professur „Medientheorien“ an der Humboldt Universität zu Berlin (Philosophische Fakultät III; 2002). Hans Ulrich Reck war 2002 auch Mitglied der Expertenkommission „Visuelle Komposition“ für die Einrichtung eines neuen Studienganges an der Folkwang Hochschule Essen. Außerdem war Hans Ulrich Reck tätig an verschiedenen Abschluss- und Zwischenprüfungen der Hochschule der Künste Zürich (Master of Fine Arts/ Vertiefung Theorie 2012, Master in Transdisziplinären Studien 2013) und war er Mitglied des Arbeitskreises „Ästhetik“ des „Institutes für Theorie“ (ith) der ZHdK von 2010 bis 2012. Zudem wirkte er als Mitglied der Gutachterkommission/ Jury zur Ausschreibung „Willkommen in der Wissenschaft“ im Auftrag des Ministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kunst (ernannt auf Vorschlag der Landesrektorenkonferenz der Kunsthochschulen BW, Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst BW, Stuttgart Juli 2012).
Von 1988 bis 2006 wirkte Hans Ulrich Reck als beratender Mitherausgeber der Buchreihe „Conference: German Literary Theory and Cultural Studies“ (General Editor: Liliane Weissberg), Wayne State University Press Detroit, Michigan. Seit 1996 ist er Herausgeber der, 2006 „ausgelaufenen“, Buchreihe „Medienkultur“, Springer Verlag, Wien/ New York. In dieser Reihe sind Bücher erschienen von Marie-Luise Angerer, Karlheinz Barck, Jörg Becker, Bernhard Dotzler, Elisabeth I. Eisenstein, Manfred Faßler, Tom Fecht, Ulrich Heide, Harold Adam Innis, Dietmar Kamper, Wolfgang Müller-Funk, Kathrin Peters, Hans Ulrich Reck, Zoë Sofoulis, Harald Szeemann, Georg Trogemann, Jochen Viehoff, Norbert Wiener.
Im Sommer und Herbst 1999 erarbeitete Hans Ulrich Reck zusammen mit dem Informatik-Kollegen der KHM, Prof. Dr. Georg Trogemann ein Modellversuch/ Forschungsprojekt im Auftrag der Bund-Länder-Kommission für die KHM und weitere Hochschulen. Initiierung, Co-Leitung und Realisierung dieses Modellversuchs im Rahmen des von der bundesrepublikanischen Bund-Länder-Kommission getragenen Mantelprojektes „Kulturelle Bildung im Medienzeitalter“ („Kubim“) wurde angelegt und durchgeführt als wissenschaftliche Grundlagenforschung (Leitung: Prof. Dr. Hans Ulrich Reck und Prof. Dr. Georg Trogemann, Mitarbeit: Dr. Stefan Römer, Schoenerwissen – Anne Pascual/ Marcus Hauer; Träger: Kunsthochschule für Medien Köln) unter dem Titel „Informatik, künstlerische Praktik und Kunsttheorie der digitalen Bildtechnologien“ (ab 2001 modifiziert unter dem Titel „KIT - Kunst - Informatik - Theorie“). Die ausgreifenden Arbeiten daran erstreckten sich von Herbst 1999 bis zum Sommer 2003. Viel beachtete Buch- und Netzpublikationen gingen daraus hervor (Hans Ulrich Reck, Kunst als Medientheorie. Vom Zeichen zur Handlung, 2003; Georg Trogemann/ Jochen Viehoff, Code@Art. Eine elementare Einführung in die Programmierung als künstlerische Praktik, 2005; Code@Art wurde ebenfalls realisiert als Netz-Werkzeug; Hans Ulrich Reck mit Schoenerwissen/ OfCD, txtkit 1.0 Visual Text Mining Tool, CDR und Netz-Tool, 2004).
1999/ 2000 – auf Einladung von Michael Erlhoff – Mitkonzeption und Beratung für Ausstellung und Katalog „Heute ist morgen. Über die Zukunft von Erfahrung und Konstruktion“ (Kunst- und Ausstellungshalle der BRD, Bonn), wofür er auch einen das eigene Werk und Denken plastisch modellierenden Ausstellungs- und Katalogbeitrag erarbeitete. Von 1998 bis 2000 bildete er zusammen mit Hartmut Böhme, Christina von Braun, Martin Burckhardt, Wolfgang Coy und Friedrich Kittler die Programmkommission für die Ausrichtung der „Interface 5“, die unter dem Titel „Politik der Maschine“ im Auftrag der Hamburger Kulturbehörde – mit Symposien, workshops, Vorträgen und Ausstellung – im September und Oktober 2000 in Hamburg durchgeführt und später in einer umfangreichen Publikation dokumentiert und reflektiert worden ist.
Vom November 2002 bis April 2003 erarbeitete Hans Ulrich Reck im Auftrag des Rektorates der Hochschule für Gestaltung und Kunst Zürich eine umfangreiche Expertise über die Rolle der Theoriefächer an Kunsthochschulen sowie Vorschläge für eine Reform der Theorieausbildung unter Berücksichtigung der speziellen Verhältnisse an der HGKZ (heute ZHdK) mit weiterführenden Materialien zur Geschichte der Künstlerausbildung, zu Wissenschafts- und Kunsttheorie und, komparatistisch, zum Stand an international vergleichbaren anderen Hochschulen.
Seit 2004 an der KHM Köln Aufbau eines Promotionsstudienganges. Seit 1992 Betreuung von Dissertationen in Kooperation mit verschiedenen Universitäten (v. a. Wuppertal, Berlin, Gießen) sowie Abnahme von Habilitationen (vorrangig Universität Wuppertal).
Seit 1998 arbeitet Hans Ulrich Reck – neben den Tätigkeiten in Lehre, akademischer Administration und Vermittlung – an mehreren Forschungssträngen. Der erste widmet sich der Frage, in welcher Weise die Problematik der Unterscheidung von Träumen/ Denken/ Vorstellen sowie die in oft undurchschaubar gelassenen Analogien sich artikulierenden Kunstformen des Traums und die Imaginationsformen der Vision mit den allgemeinen Phänomenen des Bildlichen zwischen Wahrnehmen und Vorstellen in Verbindung stehen. Dabei spielt die Hypothese eine bedeutende Rolle, dass Traum und Vision von den Darstellungen der Kunst und den Kunstformen des Imaginären in historischen Zäsuren beeinflusst werden. Dieses Vorhaben ist 2010 Buch von fast 800 großformatigen Seiten im Fink-Verlag München erschienen.
Ein zweiter Themenstrang beschäftigt sich in etlichen Schritten, Etappen und Veröffentlichungen mit dem internen theoretischen Gehalt der Künste und des Designs, besonders dieses Jahrhunderts, im Hinblick auf eine erst durch sie ermöglichte, von ihnen untrennbare Rhetorik der Formgebung. Die Beschäftigung mit avancierten Formen einer „Kunst durch Medien“ dient allerdings keineswegs einer Feier des Aktuellen, sondern im Gegenteil einer Schärfung der Rückbesinnung auf die Reichtümer der bisherigen Kunstgeschichte. In der 2003 erschienenen ausgreifenden Abhandlung „Kunst als Medientheorie – Vom Zeichen zur Handlung“ ebenso wie in der vorbereitenden Exposition dazu unter dem Titel „Mythos Medienkunst“ (2002) spielen beispielgebende Momente der bisherigen Künste und Kunstgeschichte aus evidenten qualitativen Gründen eine tragende Rolle, z. Bsp. die Geschichte der Portraitmalerei seit der Renaissance, die zwischen Sichtbarkeitskult und hermetischer Allegorie oszillierenden Referenzmodelle von „nature morte“ und holländischem Stillleben, die „réalisations“ von Paul Cézanne, Bildfunktionen aus der Geschichte des Realismusbegriffs. Die Publikation „Singularität und Sittlichkeit. Die Kunst Aldo Walkers in bildrhetorischer und medienphilosophischer Perspektive“ bildet mit den beiden eben genannten Büchern eine zwar nicht so gekennzeichnete, inhaltlich aber überaus klare Trilogie.
„Kunst als Medientheorie“ und „Traum. Enzyklopädie“ (2010) sind in weiteren Schritten ergänzt worden durch in zwei Bänden publizierten Studien zu einer Epistemologie des Bildes aus der Sicht der Künste. Die in letzter Zeit immer zahlreicher hervortretenden – und auch lauter werdenden – Bemühungen um eine kunstwissenschaftlich grundierte Bildtheorie können immer weniger verbergen, dass hierbei eine angemessene wissenschaftliche Aufarbeitung von neurologischen, psycho-epistemologischen und generell wahrnehmungspsychologischen Erkenntnissen erst noch zu leisten ist. Das Projekt einer auf die wesentlichen Bedenken der Kunstgeschichte zugeschnittenen Erörterung der Bildphänomene und -theorien, die deutlich und aktiv von der bisherigen Vermischung mit Ansprüchen universaler Bildtheorie oder einer auf visuelle Kultur generell und ununterschieden ausgreifenden universalen Kunstwissenschaft aller nur denkbaren Bildgebungen sich abgrenzen, bildet nicht nur für mich die wesentliche Forschungs-Herausforderung der nächsten Jahre.
In zwei umfangreichen Bänden hat Hans Ulrich Reck seine diesbezüglichen Überlegungen im Jahre 2007 der Öffentlichkeit präsentieren dürfen: „Das Bild zeigt das Bild selber als Abwesendes. Zu den Spannungen zwischen Kunst, Medien und visueller Kultur“ verdichtet die Argumentationen in einem Geflecht von Texten, die auch als Sammlung einiger der aus seiner Sicht besten Abhandlungen nochmals durchgearbeitet worden sind für die „Publikation letzter Hand“. Mediale Kunstgeschichte, Autorschaft, Rezeption, Authentizität, Bilder und visuelle Kommunikation im Techno-Imaginären spielen darin eine bedeutende Rolle. „Eigensinn der Bilder. Bildtheorie oder Kunstphilosophie?“ entfaltet eine Kritik am falschen hegemonialen Bilddeutungsanspruch seitens der Kunstgeschichte nach einem zunächst wichtigen, dann aber zunehmend in eine problematische Richtung gedrehten „iconic turn“. Kognitionstheoretische und epistemologische Argumente erweitern im genannten Band das Feld über aktuelle Bildwissenschaftsdebatten hinaus und relativieren die bildtheoretische Debatte durch kunstphilosophische Argumentationen und Denkfiguren. Kernstücke der Veröffentlichung sind Erörterungen zum visuellen Sampling und ein Gespräch mit Bazon Brock, in dem dieser seine genuine, originäre Konzeption der aus Kunst hervorgegangenen Evidenzkritik, also Kritik des Visuellen durch die aus den europäischen Bildkünsten entwickelte Bildlichkeit skizziert.
Ein weiteres Werk hat 2007 publiziert werden können, das in 140 Kapiteln, über 580 Seiten und 820 Abbildungen alle Aspekte der Kreativitätsforschung, ihrer Beziehungen zu den Künsten sowie, neben den Etappen, Zäsuren, Methodologien der Designgeschichte und -theorie, vor allem die Konzeption einer Einheit der Künste in der entwerfenden Imagination des „disegno“ behandelt. Insbesondere werden das Verhältnis von Kunst und Kreativität untersucht und die europäische Kunstausbildung sowie deren hauptsächliche Konzepte und Praktiken in einen transkulturellen Kontext gestellt, also die Künste aus zivilisatorischer Perspektive anderer Historien und Geographien diskutiert. Afrika, Asien, Aborigine-Australien, auch die USA kommen – in nicht-linearer Komplexität unter Beigabe von Navigationsmitteln, Markierungen, Karten, Wegen, Verweisungen – zur Sprache.
Ein weiteres, nicht lexikalisch, sondern diskursiv-sequenziell ausgeführtes Buch mit Fallstudien zu verschiedenen Kulturbereichen und zivilisatorischen Geographien thematisiert erneut die theoretischen und metatheoretischen Bedingungen eines angemessenen Verständnisses von Kreativität. Abhandlung und Diskurs steht unter dem Titel „Kritik der Kreativität“ und erschien 2019 im Herbert von Halem Verlag Köln, in welchem auch die von ihm als Rektor der KHM (2014-2020) gegründete Reihe Edition KHM erschienen ist mit dem bereits erwähnten, polykulturell orientierten Programm. 2022 konnte in der renommierten Reihe „BIRD“ des Birkhäuser Verlags Basel eine zweibändige Kompilation von designtheoretischen Texten aus vier Jahrzehnten veröffentlich werden: „Design/ Theorie – Essays 1982 bis 2020“.
Vervollständigt werden kann die exemplarische Nennung von Editionen mit einem Hinweis auf eine in zwei Bänden umgesetzte Kooperation mit Bazon Brock („Utopie und Evidenzkritik“/ „Tarnen und Täuschen“, Philo/ Fine arts Verlag Hamburg, Reihe „Fundus“ 2010), die neben neuen Texten auch Re-Editionen von gemeinsamen wie individuellen Analysen aus 25 Jahren zu Kunst und Designtheorie darbietet. Ebenfalls 2010 erschien, wiederum als Frucht einer kontinuierlich wie diskontinuierlich über Jahrzehnte entwickelten Arbeit die als Einführung in das Gesamtwerk ausgerichtete Studie zu Pier Paolo Pasolini (Fink Verlag, Reihe „directed by“). Eine konzentrierte, vollständig neu gefasste Abhandlung zum Gesamtwerk Pasolinis erschien unter dem Titel „Der apokalyptische Anarchist“ 2020 und 2021 in einer deutschen und einer englischen Fassung im Verlag Spector Books Leipzig (in der Reihe „Analysis & Excess“). Des weiteren eine Kunstgeschichte der Improvisation, ein Essayband, der auf Durcharbeitungen, Erweiterungen und Revisionen vorher verstreut publizierter Abhandlungen beruht und den Titel trägt „Spiel Form Künste“ (Philo/ Fine arts Verlag Hamburg, Reihe „Fundus“ 2010).
Zu erwähnen ist auch ein 150 Minuten dauerndes, auf einer Doppel-Audio-CD – anstelle einer zunächst geplanten – Radiosendung dargebotenes Audioporträt des Poeten, Philosophen und Filmers Pier Paolo Pasolini (Edition Apollon Wusterhausen 2012).
Im Reigen der hier ausgewählten und pointiert charakterisierenden Tätigkeiten sei erwähnt, dass seit 2008 kontinuierlich die Arbeit an der Bereitstellung der archivalischen und forschungsstrategischen Grundlagen für eine neuartige Edition/ Redaktion digital vernetzter, diverser und heterogener Materialien verfolgt wird (Arbeitstitel: „Konzeptualisierung einer Internet-Edition/ elektronisch basierten Gesamtedition: ‚Schriften, Lectures – extended version. Verweise in Text, Bild, Ton‘“). Es geht dabei, wie bereits kurz angedeutet, um ein avanciertes kommunikatives Vorhaben für das Internet und seine neuen, unter Auswertung der abendländisch-europäischen, aber auch der beispielgebenden Wissenstraditionen anderer Zivilisationen entschieden zu transformierenden Nutzungserwartungen. Das Vorhaben befasst sich beispielgebend mit einer veränderten und avancierten Nutzung/ Rezeption diskursiver Archivmaterialien und damit mit neuartigen Aneignungsverhalten bezüglich wissenschaftlicher wie intellektueller Ideen-Nutzungen. Diese Edition hätte Neuland betreten, aber eben, da sie Neuland betritt, fand sie keine Förderung. Die diesbezüglichen Kriterien der einschlägigen wissenschaftlichen Förderprogramme, z. Bsp. der DfG, sind derart veraltet und auf einen monologischen, herrschaftspolitisch zementierten individuellen Autorbegriff reduziert, dass eine flexible Öffnung von partizipatorischer Autorschaft von Nutzern auf der ebene der maschinisch gestützten Edition von originären Texten noch nicht einmal vorstellbar ist. Der Grund dafür lag also just in dem, was das Vorhaben auszeichnete: radikale Transformation des Begriffs des individuellen Autors. Gesamtwerke aus der Sicht der Förderagenturen wie der Deutschen Forschungsgemeinschaft und weiteren, auch privaten Stiftungen, bleiben aber offenkundig gebunden an die Instanz des Individuums, der Rechtsperson, der Souveränität eines personalen Urhebers, kurzum: der Befehlszentrale des Subjekts eines bürgerlichen Bildungsromans, für welchen die Souveränität des Erzählens in der Instanz der souveränen Subjektivität gebündelt und jederzeit beherrschbar blieb. Dieses Vorhaben mündete in eine Studie und ein Manual, ist aber unrealisiert und damit Utopie, Skizze und Fragment geblieben. Es wurde 2011/ 2 aufgegeben und ist seitdem nicht weiter verfolgt, nicht wieder aufgegriffen worden. Es gibt zwar einen Abriss, eine Studie und ein Manual, welche die Eigenheit historisch indizieren, aber damit ist das Repertoire erschöpft. Die Umsetzungsgruppe aus Wissenschaftlern, Künstlern, Designern – es hätte programmiert und ediert werden müssen – konnte nicht finanziert und demnach auch nicht eingerichtet werden.
Derzeit in Arbeit befindliche, also in einer eigendynamische Entwicklung sich bewegende Projekte sind im Duett/ Wechseltext mit Peter Suter entfaltete „Besuche bei Bildern“ und eine mit dem Komponisten, Musiker und Dirigenten Bernhard Dittmann entwickelte musikwissenschaftliche Analyse von Werken Frank Zappas, eines trotz aller notorischen Berühmtheiten bisher inhaltlich, formal und strukturell nicht angemessen gewürdigten Komponisten.
121 — Uta Brandes
Non Intentional Design
Uta Brandes ist Autorin, hält viele Vorträge und leitet Workshops. Dies alles überwiegend mit dem Fokus auf Gender im Design. Gemeinsam mit Michael Erlhoff gründete sie 2003 die Deutsche Gesellschaft für Designtheorie und -forschung (DGTF), deren Gründungsvorsitzende sie war, und 2013 das international Gender Design Network (iGDN), dessen Vorsitzende sie bis heute ist. Das gemeinnützigen iGDN vergibt seit 2017 den weltweit ersten und bisher einzigen Preis für gendersensibles Design, den iphiGenia Gender Design Award (iphi-award.org).
Von 1995 bis 2015 war Uta Brandes Professorin an der Köln International School of Design (KISD) der Technischen Hochschule Köln. Ausführliches Nachforschen führte zu dem Ergebnis, dass sie (wahrscheinlich weltweit) die erste ordentliche Professur im Design innehatte, die ausdrücklich Gender im Design gewidmet war. Im Kontext ihrer Lehre und Forschung an der KISD führte sie zahlreiche Projekte mit Unternehmen durch (u.a. in Kooperation mit Wilkhahn, Volkswagen AG, Dornbracht, Fortuna Köln). Beispiele für Designforschungsprojekte, die sie initiierte und leitete, waren zum Beispiel: „my desk is my castle“, eine vergleichende Studie in Wort und Foto auf allen fünf Kontinenten und in unterschiedlichen Branchen über Objekte, die sich auf Büroschreibtischen befinden, die nicht zur Erledigung der Arbeit gehören. Vergleichende qualitative Beobachtungsstudie „The Joy of Waiting“ über das Warteverhalten von Menschen im öffentlichen Raum in Hangzhou (VR China) und Deutschland (Köln). Non Intentional Design. Zur alltäglichen Umnutzung der Dinge.
Uta Brandes nahm Dozenturen und Gastprofessuren an Hochschulen in Deutschland (UdK), Hong Kong (Hong Kong Polytechnic University), VR China (Art and Design Academy Hangzhou), Taiwan (Shieh Chien University), Australien (Western Sydney University), USA (Parsons School of Design) und Ägypten (German University Cairo) wahr.
Uta Brandes ist keine Designerin, sondern sie studierte Sport (!), was sie aber nach 2 Semestern klugerweise zugunsten von Anglistik und Politischen Wissenschaften aufgab; später wechselte sie zu Soziologie und Psychologie. Neben einem kurzen ersten Ausflug an die Pädagogische Hochschule Bremen wechselte sie – ebenso klugerweise – an die Leibniz Universität Hannover, wo sie besonders von der Frankfurter Schule und der Psychoanalyse durch Professor*innen wie Oskar Negt, Peter Brückner und Regina Becker-Schmidt geprägt wurde.
Nach ihrem MA arbeitete sie als wissenschaftliche Mitarbeiterin am Psychologischen Seminar der Uni Hannover; nach ihrer Promotion bei Oskar Negt und Regina Becker-Schmidt wurde sie Bereichsleiterin am Institut Frau & Gesellschaft in Hannover. Für einige Monate hielt sie sich in den 1980er Jahren aufgrund eines Stipendiums des German Marschall Fund in den USA auf, um Frauenförder-Projekte in New York, Chicago, Washington und St. Paul/Minneapolis zu untersuchen.
Mitte der 1970er Jahre gründete sie nebenbei gemeinsam mit Michael Erlhoff einen kleinen (niemals profitablen) Verlag namens zweitschrift, in dem die gleichnamige Zeitschrift für Kunst, Design, Architektur, Literatur und Musik erschien. Publiziert wurden u.a. Beiträge von John Cage, Valie Export, Lawrence Weiner, George Brecht, Ernst Jandl, Friederike Mayröcker, Haus Rucker Co, Cesar Pelli, Alessandro Mendini, ... Zusätzlich wurden kleine Bücher veröffentlicht. Es war das Ziel der Beiden, 10 Ausgaben der zweitschrift herauszugeben, was ihnen auch gelang. Danach wurde die Verlagstätigkeit beendet.
Mitte der 1980er Jahre nach Frankfurt am Main umgezogen, arbeitete Uta Brandes zu Beginn als freie Kulturjournalistin u.a. für den NDR und den WDR, wurde dann aber überraschend als Leitende Ministerialrätin und stellvertretende Staatssekretärin in die der Staatskanzlei angeschlossenen Behörde für „Frauenangelegenheiten“ (so hieß das damals) berufen. Uta Brandes bemerkte indes bald, dass dies (trotz des ausgezeichneten Gehalts) keinesfalls ihren Interessen und ihrem Engagement entsprach, sodass sie am Tag der Verkündigung ihrer Verbeamtung ihre Kündigung einreichte. Anschließend baute sie das Schweizer Design Center in Langenthal auf.
1991 zog sie in ihre Lieblingsstadt Köln um, wo sie Direktorin des „Forum“, dem Veranstaltungsbereich der Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik in Bonn wurde. Auch dort verlor sie nach 2 Jahren das Interesse an dieser angestellten Tätigkeit und arbeitete bis zu ihrer Berufung als Professorin in Köln als freie Mitarbeiten der Bundeskunsthalle, wo sie eine Serie von je mehrtägigen internationalen Symposien zur „Zukunft der Sinne“ organisierte, zu der jeweils ein Buch im Steidl Verlag erschien.
Neben ihrem ehrenamtlichen Engagement als Vorsitzende des iGDN schreibt sie weiterhin mehr oder minder fröhlich an diversen Texten, gibt Interviews und kämpft weiterhin für ein gendersensibles Design-Verständnis in Theorie, Praxis und insbesondere der Lehre – wobei sie gerade bei den jungen Designtalenten und -studierenden auf ein enorm großes Interesse stößt. Außerdem spricht sie einen Podcast mit unveröffentlichten Texten von Michael Erlhoff.
120 — matali crasset
Design, um den Menschen zu dienen
matali crasset ist eine seit den 90er Jahre weltweit aktive französische Designerin, deren Moto ist: „Den Menschen etwas geben, statt zu gestalten“. Seit ihrem Abschluss an der ENSCI-Les Ateliers verteidigt sie das Design als künstlerische, anthropologische und soziale Praxis. Sie versucht, sich möglichst umfassend der Kreativität, den Menschen und dem täglichen Leben zu widmen. Ihre Frage ist: „Wie kann das Design zu unserer Gemeinschaft beitragen und uns helfen, uns in der heutigen Welt zurechtzufinden?“ Seit 30 Jahren geht sie ihren eigenen Weg und hat Hunderte von Projekten in den Bereichen Architektur, Bühnen- und Möbeldesign, öffentliche Räume und Stadtplanung realisiert. Ihre Werke wurden in Frankreich und im Ausland ausgestellt. Sie sind Teil bedeutender Museumssammlungen, darunter jene des MoMA in New York und des Centre Pompidou in Paris. Ihr „Design ohne Grenzen“ ist Ausdruck ihrer tiefen Überzeugung, dass jeder kreative Prozess in erster Linie menschlich, sozial und ökologisch ist. Der Zweck eines jeden Projekts hängt dabei nicht von seiner alleinigen Realisierung ab, sondern von dem Prozess, den es umsetzt, und von seiner Fähigkeit, Verbindungen zu knüpfen und ein System des Austauschs und der Gegenseitigkeit zwischen Individuen innerhalb eines bestimmten Umfelds zu schaffen. Aus dieser Perspektive werden alle Projekte letztlich zu einer kollaborativen Anstrengung. Sie nennt als „Felder in meinem Kopf, die ich nicht aufhöre zu kultivieren“: Lesen und Entdecken // Dem Menschen stets zugewandt sein // Jedes Werk im menschlichen Maßstab erschaffen //
matali crasset ist bei jedem Schritt ihrer Projekte anwesend und arbeitet von der Konzeption bis zur Realisierung auf künstlerische und geschickte Weise. Sie vertritt eine menschliche Sichtweise des Designs, die sich von derjenigen der großen Firmen unterscheidet, die ihre Ansätze modellieren und dieselbe Methode auf jedes ihrer Projekte anwenden. Das Studio – bestehend aus matali crasset, die von einem 3D-Modellierer und einem Regisseur unterstützt wird – bildet die Grundlage ihres Schaffens und fördert sehr individuelle Lösungen. matali crasset sagt „Das, was wir tun, hat immer eine künstlerische Seite“.
Auf dieser Grundlage gestaltet sie Objekte, öffentlichen Räume, Stadraum, lebendige kulturelle Orte, die Welt der Kindheit, Zwischen-Räume, komplette Bühnenbilder für internationale Messen wie Première Vision oder, in jüngerer Zeit, Séries Mania und Aware sowie für die Musical-Show von Pierre Lapointe entworfen. Hinzu kommen Ausstellungen, kuratierte Shows und Vermittlungsformate. Sie versteht die Vermittlung als Teil ihrer Arbeit als Designerin. Sie hat mehr als zweihundert Vorträge in der ganzen Welt gehalten. Seit 2010 unterrichtet sie an der Genfer Hochschule für Kunst und Design (HEAD) und nimmt darüber hinaus an zahlreichen Symposien und Jurys teil. Von 2017 bis 2019 hatte sie eine Professur an der ENS Paris-Saclay im Rahmen des Projekts L’Atelier des communs sowie einen Workshop am National Institute of Design (NID) in Ahmedabad, Indien.
119 — Tanita Klein
Die verformbare Küche
Tanita Klein ist eine Designerin, die in Kopenhagen, Dänemark, lebt und arbeitet. Sie ist in Frankfurt am Main geboren und aufgewachsen und studierte Design an der Design Academy in Eindhoven. Für ein Residenzprogramm mit SPACE10 kam sie Anfang 2020 nach Kopenhagen. Das POSSI-System ist ein Konzept, das in den letzten vier Jahren zu einem marktfähigen Produkt entwickelt wurde. Es basiert auf Kleins Vision für Design.
Tanita sagt: „Als Designerin betrachte ich die materielle Kultur als etwas, das großen Einfluss auf das menschliche Verhalten und Wohlbefinden hat. Ich betrachte Design als ein Werkzeug zur Verbesserung. Meine Werkzeuge sind radikal, aber realistisch. Meine Werkzeuge sind demokratischer Luxus. Meine Argumentation ist sowohl unter Nachhaltigkeit als auch unter Wohlbefinden einzuordnen. POSSI ist wie ein Sitzsack für Kinder. Er ist verformbar und passt sich Ihren Kurven und Bedürfnissen an. Bitte spielen Sie.“
POSSI ist inspiriert von der ersten Architektin, die in den 1920er Jahren eine Küche für ein großes soziales Wohnprojekt in Frankfurt am Main entwarf. In den 1920er Jahren entwarf Margarete Schütte-Lihotzky (1897–2000) eine Küche für die moderne Hausfrau, basierend auf einer Analyse der Bewegungen in der Küche. Sie spiegelte den Wandel in der Gesellschaft wider: Die Frau wurde emanzipierter und die Küche passte sich ihrem neuen Lebensstil an. Das Konzept von POSSI war eine Antwort auf die Frage, wie die moderne, emanzipierte Küche hundert Jahre später aussieht: Eine Küche, die sich an unsere sich schnell verändernden und umweltfreundlichen Bedürfnisse anpasst und nicht umgekehrt.
118 — Philipp Thesen
Humanizing Technology
Philipp Thesen ist Designer und Stratege und zählt zu den profilierten Vordenkern für strategisches Design und die digitale Transformation von Produkten, Prozessen und Geschäftsmodellen. Er ist Professor für Mensch-System-Interaktion an der Hochschule Darmstadt und Leiter des Human Factor Labs. Das von ihm 2020 gegründete Lab erforscht digitale Technologien und deren Anwendung in menschlichen Bedarfssituationen mit dem Ziel der Verbesserung von Mensch-Technik-Interaktion.
Thesen ist weiterhin Unternehmensberater und Gründer von Prenew, einer Strategieberatung für den digitalen Wandel. Er hilft Unternehmen dabei, Design in ihren Organisationen effektiv zu führen und auf den Ebenen Formgebung, Prozess und Strategie nachhaltig zu verankern. Zu seinen Kunden gehören internationale Beratungsfirmen sowie Unternehmen wie SAP, Porsche, Merck, EnBW, Siemens oder Viessmann.
Zuvor war er Designchef von Europas größtem Telekommunikationskonzern Deutsche Telekom. Hier verantwortete er das Produktdesign, die Designstrategie und die weltweite Implementierung von Design-Prinzipien. Er transformierte die Designfunktion im Konzern in eine strategische Rolle, gründete die Telekom Design Academy und führte eine konzernweite Ausbildung in Design Thinking ein. Unter seiner Leitung entstanden international eingeführte Hardware-Software-Service Innovationen, die mit mehr als 200 Designpreisen ausgezeichnet wurden.
Philipp Thesen ist Autor zahlreicher Publikationen zu Design, Innovation und digitaler Zukunft. 2019 erschien sein Buch “the digital shift” im Steidl Verlag. Er ist als Sprecher auf Konferenzen und Mitglied zahlreicher Internationaler Designjuries tätig, u.a. beim ADC, ADC of Europe, Annual Multimedia, DDC, German Design Award, iF und Design Effectiveness Award der British Design Business Association. Er ist Mitglied des Art Directors Club, war 2020 bis 2022 Präsidiumsmitglied und zuvor Advisory Board Member des Design Management Institutes Boston. Seit 2022 ist er im Beirat des Bundespreis Ecodesign des Bundesumweltministeriums.
117 — Andreas Muxel, Daniel Rothaug
Creative Engineering
Andreas Muxel studierte Kommunikationsdesign an der Fachhochschule Vorarlberg und Mediale Künste an der Kunsthochschule für Medien Köln. Er arbeitete als Interaction Designer am MARS-Exploratory Media Lab des Fraunhofer-Instituts für Medienkommunikation Sankt Augustin und war als Freelancer für verschiedene Büros (u.a. Meiré und Meiré, Stylepark AG, ma ma Interactive System Design) und Kunden (u.a. BMW, Siedle, Bulthaup, Vorwerk) tätig. 2015 gründete er zusammen mit Michael Schmitz das Studio NEOANALOG mit Schwerpunkt Entwicklung und Gestaltung hybrider Artefakte und Räume.
Seine Arbeiten an der Schnittstelle von Design, Kunst und Forschung wurden vielfach international publiziert, ausgestellt und ausgezeichnet (u.a. FILE Festival São Paulo, TodaysArt Festival Brüssel, ACM DIS Eindhoven, Prix Ars Electronica Linz, VIDA Award Madrid, Share Price Turin).
Von 2013 bis 2017 war Andreas Muxel Professor für Interface Design an der Köln International School of Design der TH Köln. Seit dem Wintersemester 2017/2018 ist er Forschungsprofessor für Physical Human-Machine Interfaces an der Fakultät für Gestaltung der Hochschule Augsburg und leitet dort das Hybrid Things Lab. Das Labor exploriert alternative Perspektiven unserer Beziehung zu proaktiver Technologie hinsichtlich Akzeptanz und Vertrauen.
Daniel Rothaug studierte Kommunikationsdesign mit Schwerpunkt Interaktive Medien an der Fakultät Gestaltung der Fachhochschule Würzburg-Schweinfurt. Zuvor arbeite er als Interfacedesigner bei Apple und als Art-Director an multimedialen Projekten für TUI, Opel, Renault und Volkswagen. Während seines Studiums gründete er 2002 gemeinsam mit drei Partnern die Digitalagentur ›Zum Kuckuck‹ in Würzburg. Bis 2015 war er dort als Kreativdirektor für digitale Projekte für Audi, Daimler, Deutsche Telekom, Drykorn, Joop, Reisenthel, SAP, Städel Museum, Volkswagen oder Walter Knoll verantwortlich.
Seine Arbeiten erhielten über 150 nationale und internationale Auszeichnungen wie ADC Deutschland, ADC New York, Annual Multimedia Gold, DDC Gute Gestaltung, Designpreis der Bundesrepublik Deutschland, German Design Award, iF Design Award Gold, New York Festivals, Red Dot Best of the Best und wurden u. A. vom Museum of Modern Art San Francisco veröffentlicht.
Seit 2013 ist Daniel Rothaug Professor für Interfacegestaltung an der Hochschule Augsburg, seit 2017 Dekan der Fakultät für Gestaltung. Als Designer und Berater ist er für Unternehmen an der Schnittstelle von Design und Technologie tätig. Er ist Mitglied im DDC (Deutscher Designer Club e. V.) und regelmäßiges Jurymitglied.
Bettina Knoth, DDC Vorstandssprecherin, hat sich im DDCAST 117 mit ihnen ausgetauscht.
116 — Sebastian Klöß
Wegweise ins Metaverse
Dr. Sebastian Klöß ist Bereichsleiter für Consumer Technology, AR/VR & Metaverse beim Digitalverband Bitkom. Seit Anfang 2022 befasst er sich intensiv mit dem Tech-Trend Metaverse. Ihn fasziniert, wie hier einerseits verschiedene Schlüsseltechnologien wie Augmented Reality (AR), Virtual Reality (VR) und die Blockchain kulminieren, und wie das Metaverse andererseits als nächste Stufe des Internets das Potenzial birgt, unseren Alltag zu revolutionieren. Beim Bitkom betreut er das metaverse forum by bitkom, in dem ausgewiesene Metaverse-Expertinnen und -Experten zu diesem Thema zusammenkommen, und organisiert die sehr erfolgreichen Metaverse-Roundtables, bei denen unter anderem schon die Themen „Metaverse und Web3“, „Recht und Steuern im Metaverse“, „Industrie und Metaverse“, „Arbeiten im Metaverse“ sowie „Standards für das Metaverse“ thematisiert wurden. Gemeinsam mit kompetenten Autorinnen und Autoren aus dem Bitkom-Netzwerk hat er den Leitfaden „Wegweiser in das Metaverse“ verfasst. Außerdem hat er in der Studie „Die Zukunft der Consumer Technology 2022“ gezeigt, wie bekannt das Metaverse in Deutschland schon ist und wie offen die Deutschen dem Metaverse gegenüber eingestellt sind.
Neben dem Metaverse beschäftigt sich Dr. Sebastian Klöß beim Bitkom mit den Themen Augmented & Virtual Reality sowie NewTV. Bei AR und VR interessieren ihn sowohl die technischen Entwicklungen auf diesem Gebiet als auch konkret die Einsatzmöglichkeiten sowohl im Consumer-Bereich als auch in der Industrie. Unter dem Stichwort NewTV beobachtet er alle Trends rund um Streaming und Connected TV. Vor seiner Zeit beim Digitalverband Bitkom war Dr. Sebastian Klöß Redakteur für Office-Themen im Prima Vier Nehring Verlag. Dort hat er genauso zur Büro-IT recherchiert und geschrieben, wie zum Themenfeld Büroeinrichtung. Hier ging es regelmäßig auch um das Thema gutes Design im Büro.
Von Haus aus ist Dr. Sebastian Klöß Germanist und Historiker. Er hat in Tübingen Neuere Deutsche Literaturwissenschaft sowie Neuere und Neueste Geschichte studiert und anschließend an der HU Berlin seine Doktorarbeit in Geschichte verfasst. In ihr hat er den Notting Hill Carnival in London untersucht und dabei insbesondere herausgearbeitet, welche Bedeutung dieses Fest ab der Mitte des 20. Jahrhunderts für die Aushandlung des Eigenen und des Anderen innerhalb der afrokaribischen Community in London sowie zwischen afrokaribischer Community und weißer britischer Mehrheitsbevölkerung hatte. Dabei ging es um Einflüsse des trinidadischen Carnivals, um Reggae und Rasta und das Entstehen eines multikulturellen Großbritanniens.
115 — Matteo Thun
Der Großmeister
Matteo Thun startete seine Kunst- und Designkarriere als Student an der Salzburger Sommerakademie unter Oskar Kokoschka und Emilio Vedova. Nach dem Architekturstudium an der Universität Florenz gründete er zusammen mit Ettore Sottsass und anderen Mailänder Designern das Büro Sottsass Associati und die Memphis Gruppe. 1983 wurde Matteo Thun als Professor für Produktdesign und Keramik an die Wiener Universität für angewandte Kunst berufen. 1983 gründete er sein eigenes Studio in Mailand und 2001 Matteo Thun & Partners. Das Architektur- und Designbüro Matteo Thun & Partners (ca. 70 Mitarbeitende) hat seinen Hauptsitz in Mailand und betreibt ein Büro in München.
Die Entwürfe von Matteo Thun sind von zeitloser Einfachheit inspiriert und orientieren sich am menschlichen Maßstab. Ästhetische Dauerhaftigkeit, technologische Langlebigkeit und die zukünftige Lebensdauer von Gebäuden und Produkten prägen die Arbeit von Matteo Thun & Partners. Das Unternehmen agiert auf internationaler Ebene und entwickelt Projekte in den Bereichen Hospitality und Healthcare, Residential und Office-Design, Retail und Produkt-Design.
Gründer und Art Direktor Matteo Thun leitet eine neue Generation von Architekten und Designern an, die die gemeinsame kreative Sprache von Matteo Thun autonom verwirklichen. Von seinen Firmensitzen in Mailand und München aus pflegt Matteo Thun weiterhin ein Architektur- und Designbüro, das durch eine zukunftsorientierte Perspektive nach respektvollen Lösungen sucht und sich auf zeitloses, langlebiges und reduziertes Design fokussiert.
Für seine Architekturprojekte und die Entwürfe im Produkt-Design wurde Matteo Thun mit zahlreichen internationalen Preisen ausgezeichnet.
114 — Ute Clement
Frauen führen besser
Ute Clement ist Diplom-Psychologin und systemische Beraterin. Bei der Daimler AG war sie mehrere Jahre in leitender Position in der Führungskräfteentwicklung und im interkulturellen Management tätig. Seit 1995 ist sie selbständige Beraterin. 2007 hat sie ihr Unternehmen Ute Clement Consulting GmbH gegründet, das heute mit zwei Niederlassungen in Heidelberg und Berlin vertreten ist.
Sie berät internationale Großkonzerne und mittelständische Unternehmen aller Branchen. Neben ihrer Vortrags- und Publikationstätigkeit zu systemischer Beratung und Gelingensfaktoren von Veränderungsprojekten, arbeitete sie auch als persönlicher Coach.
Nach dem Abitur absolvierte sie eine Ausbildung zur Bankkauffrau bei der Deutschen Bank AG in Mannheim, woran sich – nach Auslandsaufenthalten in Frankreich, England und Indien – ein Studium der Wirtschaftspädagogik und Theaterwissenschaft an der Universität Erlangen-Nürnberg sowie ein Studium der Psychologie an der Ruprechts-Karl-Universität Heidelberg, anschlossen. Der Schwerpunkt dabei war die klinische und pädagogische Psychologie.
Darauf aufbauend folgten fortlaufende Kurse u.a. in Familientherapie am Institut für psychoanalytische Grundlagenforschung und Familientherapie in Heidelberg bei Prof. Dr. Helm Stierlin, Dr. Gunthard Weber, Prof. Dr. Fritz Simon, Dr. Gunther Schmidt u.a. Sie absolvierte Trainings in NLP bei Dr. Brigitte Gross in Salzburg und systemischer Transaktionsanalyse am Institut für systemische Therapie und Transaktionsanalyse in Wiesloch bei Dr. Bernd Schmid. Ausbildung in systemischer Organisationsberatung bei der Internationalen Gesellschaft für systemische Therapie e.V. Heidelberg (IGST). Ausbildung in systemischer Familientherapie bei Prof. Dr. Fritz Simon mit dem Abschluss Systemische Familientherapeutin. Sie ist Lehrberaterin, Lehrsupervisorin, Lehrcoach mit Zertifizierung der Systemischen Gesellschaft.
Sie ist Mitglied des European Network of Female Entrepreneurship Ambassadors und Vorbildunternehmerin der Initiative FRAUEN unternehmen – des Bundesministeriums für Wirtschaft und Energie.
113 — Nina Sieverding und Anton Rahlwes
FORM FRAGEN 02
Boisbuchet / Vienna Design Week
Nina Sieverding und Anton Rahlwes, die Chefredakteur*innen der form, im Gespräch mit Georg-Christof Bertsch. In der zweiten Folge von „form fragen“ reden wir mit der Chefredaktion der Zeitschrift form über den internationalen Design-Workshop in Boisbuchet, über die Vienna Design Week und das neue form-Heft zum Thema Luxus. Der Indien-Deutschland-Artikel von Poonam Choudhry hat Georg sehr bewegt. Nina und Anton haben das Interview mit der ukrainischen Modemacherin Julie Pelipas als intensive Sache wahrgenommen. Es geht also, wie immer beim „form fragen“, um den Blick auf aktuelle Designereignisse.
Die form ist eines der traditionsreichsten Designmedien der Welt. Das „Zentralorgan der deutschen Designszene“ kommt aus dem Print. Wir alle sind mit ihr aufgewachsen. Sie erscheint seit 65 Jahren! Der DDCAST ist eines der jüngsten Designmedien der Welt. Unser kleiner Podcast ist ein digital native.
112 — Helge Aszmoneit
Die Design-Bibliothekarin
Helge Aszmoneit hat Bibliothekswesen studiert und leitet seit 1987 die Bibliothek und den Bereich Information Services beim Rat für Formgebung/German Design Council. Dort verantwortet sie alle bibliothekarischen Aufgaben wie Bestandsaufbau, die formale und inhaltliche Erschließung sowie die Vermittlung dieser Inhalte an alle am Design Interessierten. Das im Laufe der Jahrzehnte aufgebaute Wissen über Design und dessen Quellen sowie das eigene Netzwerk fließen in die Informationsvermittlung bei Beratungen und umfangreichen Recherchen für interne und externe Anfragen ein. Sie war und ist Dozentin für Seminare, Vorträge und Lehraufträge an Design-Hochschulen zu den Themen „Designgeschichte“ und „Recherche im Design“. Beim Rat für Formgebung betreute sie über viele Jahre auch andere Projekte, zum Beispiel die Konzeption und Durchführung von Design-Wettbewerben, insbesondere im Nachwuchsbereich. In einem privaten Forschungsprojekt untersucht sie derzeit die Entstehungs- und Entwicklungshistorie internationaler Design-Auszeichnungen.
Diese Folge des DDCAST ist in Kooperation mit der Wirtschaftsförderung Frankfurt zu den Themen rund um Design for Democracy entstanden.
111 — Kollektiv Plus X (Ezra Dilger, Marvin Schwark u.a.)
Mobiles Forum für direkte Demokratie
Ezra Dilger (*1986) ist gelernter Tischler und Erlebnispädagoge, Vater zweier Kindern und seit 2021 MA Industriedesign. Er studierte seit 2014 an der Burg Giebichenstein in Halle (Saale) und machte neben Projekten in Südafrika und auf La Palma ein Auslandssemester am Hyperwerk an der FHNW in Basel. Momentan macht er seinen zweiten Master an der HBK Saar im Studiengang Public Art/ Public Design. 2016 gründete er mit Benno Brucksch das Keramik 3D Drucklabor „druckwerk“. Seit 2017 ist er Mitglied des „Kollektiv Plus X“, in dem er die meisten seiner Projekte realisiert. Seine Projekte wurden unter anderem an der DDW in Eindhoven und dem GRASSI Museum Leipzig ausgestellt und in Fachzeitschriften wie der Monopol und der Page abgedruckt. Er erhielt verschiedene Preise, darunter den GRASSI Nachwuchs Design Preis, Social Design Award und Hessischer Staatspreis Universelles Design, Social Design Award der German Design Graduates 2022.
Marvin Schwark (*1989) studierte Raumplanung an der TU Dortmund. Schon im Studium lag der Fokus auf Bottom-Up Bewegungen und Formen des DIY-Urbanismus. 2015 wechselte er seinen Wohnsitz nach Leipzig wo er Geschäftsführer des Raumplanungsbüros tri:polis wurde. In diesem werden partizipative Projekte im Bereich der Stadtentwicklung umgesetzt. 2016 ist Marvin Schwark Mitbegründer des Kollektiv Plus X e.V.
Kollektiv Plus X (gegründet 2016) Unsere Projekte bewegen sich an der Schnittstelle von Kunst, Raumplanung, Design und Sozialer Arbeit. Urbane Interventionen, die den öffentlichen Raum als Bühne begreifen und für eine lebendige Stadtkultur einstehen. Wir finden uns für jedes Projekt neu zusammen, forcieren Kooperationen und setzen auf eine größtmögliche Teilhabe in der Projektumsetzung.
Diese Folge des DDCAST ist in Kooperation mit der Wirtschaftsförderung Frankfurt zu den Themen rund um Design for Democracy entstanden.
110 — Hermann August Weizenegger
Der philharmonische Designer
Hermann August Weizenegger ist ein bedeutender deutscher Designer. Er hat ein umfangreiches Werk geschaffen und als Design-Aktivist, Mitgründer von Institutionen wie dem Designmai Berlin oder den German Design Graduates sowie als Professor ganze Generationen von Designer*innen mit geprägt. Nach Abschluss einer Ausbildung zum Textil-Einzelhandelskaufmann studierte Weizenegger von 1987 bis 1992 Industriedesign bei Hans Roericht an der Hochschule der Künste Berlin. Anschließend war er ein Jahr freier Mitarbeiter bei der Produktentwicklung Roericht in Ulm. 1993 gründete er mit Oliver Vogt das Büro Vogt und Weizenegger in Berlin. Hier entstand unter anderem das do-it-yourself-Möbelprojekt Blaupause oder der Sinterchair, der in mehreren Sammlungen vertreten ist, wie dem Vitra Design Museum in Weil am Rhein, der Neuen Sammlung in München, dem Marta Herford und dem Palais Schönborn in Wien. 2018 wurde der Stuhl auch als Miniatur in die Sammlung des Vitra Design Museums aufgenommen. Ein bekanntes Projekt ist außerdem das von ihnen kuratierte DIM–Die imaginäre Manufaktur in Zusammenarbeit mit der Blindenanstalt Berlin. Hier entstanden neue Produkte mit zahlreichen Designern wie u. a. Konstantin Grcic, Matali Crasset, Marti Guixé und Stephen Burks. Das Designerduo arbeitete für Marken, wie Möve, Authentics, Rosenthal, Häberlein & Mauerer, Intel, WMF/Auerhahn, Sony Music, Viag Interkom, Mandarina Duck, Sigg und der Blindenanstalt von Berlin. Die Hotellobby und Bar vom Ku’Damm 101 aus dem Jahre 2001 gilt als eine der Gestaltungsikonen der Nullerjahre. Das Büro löste sich nach 16 Jahren auf.
Weizenegger ist eines der Gründungsmitglieder des Designmai (2003–2007), der Plattform für Berliner Design, an dessen inhaltlicher Ausrichtung und Organisation er fünf Jahre maßgeblich beteiligt war. Er ist zudem Mitbegründer der German Design Graduates Initiative mit Ineke Hans (UDK Berlin), Mark Braun (HBKsaar) und Katrin Krupka im Jahr 2019.
Sein Atelier HAW ist thematisch mit künstlerischen Projekten in Ausstellungen vertreten, mit Digital Couture (2009) in der Appel Design Gallery sowie in Gruppenausstellungen wie Vase vers Vases (2009) in der Designgalerie Helmrinderknecht in Berlin, Nullpunkt im Marta Herford, im Museum für Angewandte Kunst Köln in Köln mit Isn’t it romantic? (2012). Neben der Produktgestaltung arbeitete Weizenegger auch an interdisziplinären Projekten, wie der Roboterperformance Valse Automatique, die im Kunstraum MADE (2010) aufgeführt wurde. Eine von Weizeneggers ersten öffentlichen Installationen war im selben Jahr das Projekt Felsenland für den Berliner Technoclub Berghain. Aufsehen und Irritation erregte er mit dem Projekt Hotel Dresden, bei dem er ebenfalls 2010 zusammen mit Manufakturen an der Rekonstruktion eines Jugendstilinventars arbeitete, das in den Räumen der Berliner Kunstgalerie Haubrokshows gezeigt wurde. Neben dem Thema der Narration beschäftigten sich seine Atelierarbeiten mit der Frage der nachhaltigen und subversiven Serienproduktion, wie beim Projekt Merkwürdigkeiten des Sehens, einer umfangreichen Modekollektion für Damen und Herren. 2013 entstand in der Folge die zweite narrative Kollektion Der Prinz von Amundo, die unter anderem geschliffene Kristallglasobjekte der Glasmanufaktur Theresienthal und Seidenteppiche von Rug Star beinhaltet.
Im Sommer 2015 inszenierte er die Ausstellung „Die falsche Blume“ für das Dresdner Kunstgewerbemuseum im Schloss Pillnitz. 2017 veröffentlichte er in Zusammenarbeit mit Sandra Pravica das Buch „Design Kosmos“, eine Sammlung seiner ersten zehn Projekte.
Atmoism – Gestaltete Atmosphären widmete ab September 2020 das Kunstgewerbemuseum Berlin eine große Einzelausstellung. Das Konzept war dem Haus auf den Leib geschnitten: Inspiriert von der ›softbrutalistischen‹ Raumatmosphäre der 1967 von Rolf Gutbrod entworfenen Architektur des Kunstgewerbemuseums entwickelte er 24 bühnenbildartige Interventionen. Diese entfalten sich als Skulpturen, Materialkompositionen und Objektinszenierungen wie ein Netz in der Dauerausstellung des Museums. Es entstand ein atmosphärischer Rundgang, der den Dialog mit dem Museum und seinen Objekten eröffnete. Im Rundgang wurden sowohl das Werk des Künstlers als auch seine gestalterische Vision zukünftiger Produkt(ions)-szenarien – irgendwo zwischen Mensch, Handwerk und mittelständischer Industrie – vorgestellt. Die Ausstellung wurde kuratiert von Claudia Banz.
2011 kuratierte Weizenegger die Prototypenschau Black Box auf der Messe Qubique in Berlin. Er war außerdem Jurymitglied beim Design Recycling Preis und als Kurator u. a. beim Smart Future Mind Award, der Stadtarbeit der Vienna Designweek, beim DMY-Award 2014 oder dem I-love-Design-Award 2016. 2018 war er Jurymitglied bei der Handwerk + Form im Werkraum Bregenzerwald, Österreich. Die Glasresultate aus Weizeneggers zweijähriger Zusammenarbeit mit der Glasmanufaktur Theresienthal wurden mit dem 1. Preis für Angewandte Kunst 2013 für hervorragende Leistungen zum Thema Glas von der Zeughausmesse Berlin prämiert. Weizenegger wurde 2017 vom Rat für Formgebung zu dem Best of German Interior Design nominiert. 2017 wurde Weizenegger vom Rat für Formgebung zu dem „Best of German Interior Design“ nominiert, als einer der 50 renommiertesten deutschen Designer. Erschienen im Distanz Verlag. Der Designer arbeitet unter anderem für Marken, wie pulpo, mawa Design, Porcelaingres, Theresienthal, ComTür, OUT (Objekte unserer Tage) und der Porzellanmanufaktur KPM Berlin. Aktuell wurde die Produktentwicklung „porto – ein Hängeleuchtensytem“ mit dem Brandenburger Leuchtenhersteller mawa design mit dem Designpreis Brandenburg 2021 „Preisträger in der Kategorie Produktdesign“ ausgezeichnet.
109 — Alexandra Baum
Forschung. Design. Startup. Familie.
Alexandra Baum ist Designerin und Unternehmerin. Nach ihrem Modedesign- Studium mit Schwerpunkt kreislauffähige Textilien und nachhaltige Mode an der HAW Hamburg mit Abschluss als Diplom-Designerin zog es die heute dreifache Mutter als wissenschaftliche Mitarbeiterin an die Fachhochschule Hannover, wo sie das Forschungsprojekt EcoMTex „Von der Öko-Nische zum ökologischen Massenmarkt im Bedürfnisfeld Textilien“ an der Fakultät Design betreute. Ihren Karriereweg setzte die gebürtige Gothaerin ab 2005 in der Entwicklung technischer Textilien fort. Sie machte sich 2003 mit dem Produktentwicklungs- und Designbüro novanex selbständig. Zu Ihren Arbeiten in der textilen Produktentwicklung für Industriekunden zählten smarte Textilien, Medizintextilien und Entwicklungen für Automotive. Zum Kundenkreis zählen neben vielen kleinen und mittelständischen Unternehmen auch Philips, Westfalia mobil GmbH oder die Daimler AG. Darüber hinaus war Baum als Design- und Innovations-Beraterin aktiv und hielt Gastvorlesungen an Hochschulen. 2013 entstand die Idee eines textilbasierten Fahrradschlosses, das parallel zu ihrer freiberuflichen Tätigkeit entwickelt wurde. 2016 gründete Alexandra Baum gemeinsam mit ihrer Kollegin Suse Brand die Texlock GmbH in Leipzig. Kern der patentierten Lösung des Fahrradschlosses tex—lock ist der Einsatz von funktionalen Hightech-Textilfasern, welche die tex—lock Fahrradschlösser flexibel und weich wie ein Seil machen. Mehrere verflochtene Hochtechnologiefaser-Verbundschichten übernehmen unterschiedliche Funktionen für den Schutz vor Angriffen mit Schneidwerkzeugen und Feuer sowie der Vermeidung von Lackkratzern. Schutz vor Sägeangriffen wird in der aktuellen Produktgeneration durch den Einsatz eines speziell gehärteten und flexiblen Stahlkerns erreicht. Die Nutzung der gesamten Länge und Flexibilität beim Anschließen an feste Gegenstände und Sichern von Anbauteilen wird durch das sogenannte „Loop Through Prinzip“ von tex—lock ermöglicht. 2019 kam die marktreife Entwicklung der multifunktionalen Regenschutzbekleidung „raijn“ hinzu. raijn lässt sich in Sekundenschnelle von einem Parka in einen Overall verwandeln. Die hochwertige Textilie wurde unter dem Motto „whatever the weather“ als täglicher Begleiter für wetterunabhängige Fahrradmobilität entwickelt. Externe Anerkennung fanden die Texlock-Produkte u.a. bei den German Design Award 2018 und 2021, ISPO Award 2019 sowie dem Eurobike Award in Gold im Herbst 2021. Alexandra Baum ist bis heute Mehrheitsgesellschafterin und Geschäftsführerin der Leipziger Fahrrad-Accessoire Manufaktur Texlock GmbH, die Produktion, Vertrieb und Marketing in einer ehemaligen Pianofabrik in Leipzig umsetzt und über 30 Mitarbeiter*innen beschäftigt.
108 — Michael Conrad
creativity – off the norm
Michael Conrad kann man mit dem Begriff „Werbelegende“ schlecht fassen. Er ist zwar ein Kreativer, der zahllose Kampagnen geschaffen hat, die über Jahrzehnte wirkten, aber er ist vor allem ein kreativer Denker und Macher. Ihm geht es um Kreation im ganz umfassenden Sinne: kreative Werbung, kreative Gestaltung, kreative Unternehmensführung, kreative Entwicklung von Talenten, kreative Entwicklung neuer Organisationen. Unser Ehrenmitglied des Deutschen Designer Club steht insofern genauso für die Vergangenheit der Kreativbranche wie für deren Zukunft.
So beschreibt sich Michael Conrad: „In Leipzig geboren, mit Mutter in den Westen geflüchtet. Damals waren sieben Millionen Flüchtlinge unterwegs. Wir haben im Raum Frankfurt gelebt, später in Berlin, Lübeck oder Düsseldorf. Sobald meine Mutter einen besseren Job fand, sind wir umgezogen. Dadurch sind wir sehr beweglich geworden. Mittelschule und Berufsausbildung zum Industriekaufmannsgehilfen abgeschlossen. Zwei Jahre Verkaufsvertreter für eine Druckerei, Akquisiteur für eine Fremdenverkehrspublikation mit journalistischer Tätigkeit, Reiseorganisator für König Ibn Saud und sein Gefolge, Texter bei Young & Rubicam, Texter und später Kreativ Director bei Ogilvy & Mather, Mitgründer der Werbeagentur TBWA Frankfurt, Lürzer, Conrad Frankfurt, Michael Conrad & Leo Burnett Frankfurt. 1986 hat Leo Burnett mir angeboten, als Präsident und internationaler Creative Director ins Headquarter zu kommen. Ich zog mit meiner Familie nach Chicago. Später wurde ich weltweiter Chief Creative Officer der ganzen Gruppe und gehörte zum engen Führungskreis. Nach der Werbekarriere Mitgründer der Berlin School of Creative Leadership.“
107 — Hannah Helmke
1,5° Celsius und 100% Powerfrau
Hannah Helmke ist Gründerin und CEO des Climate-Tech-Unternehmens right. based on science, kurz: right°. Ihr Fokus auf wirtschaftliches Handeln in unserer vom Klimawandel betroffenen Welt ist das Ergebnis der Kombination ihrer beiden akademischen Disziplinen: Psychologie und International Business. Hannah folgt ihrer festen Überzeugung, dass ein wissenschaftlich fundierter Ansatz der beste Weg ist, um das emotional aufgeladene Feld der Klimastrategie von Unternehmen zu bewältigen. Bevor sie right° gründete, arbeitete sie für den IT-Dienstleister BridgingIT und die Deutsche Post DHL Group. Dort erforschte sie die Potenziale der Digitalisierung zur Erreichung von Nachhaltigkeitszielen und arbeitete an der Einführung von wissenschaftsbasierten Zielen als Berichtsinstrument. Unter ihrer Leitung erhielt right° den renommierten Next Economy Award 2020 und sie selbst wurde mit dem Digital Female Leader Award 2020 in der Kategorie „Nachhaltigkeit“ sowie mit dem „Female Founders Award“ der AmCham Germany 2021 ausgezeichnet.
106 — Stefan Weil
create curate collaborate
Skorpion. 1963 in Bad Homburg geboren. Meine Laufbahn als Gestalter begann mit der Covergestaltung für die eigene Band »Neue Mode«. Es folgten Fanzines und Magazine wie »Der Fürst« und »Das Herz«. All dies mündete in einem ersten Job bei Meiré und Meiré (»Design ist Orientierung«) als Grafikassistent. In der frühen Selbstständigkeit mit »LAW« (Laarman und Weil, Lust, Arbeit, Wahrheit) wurde ich erstmals mit der digitalen Transformation konfrontiert. Als Untermieter beim ersten Mac-Händler im Rhein-Main-Gebiet tauschte ich rasch den Rapidograph und das Skalpell gegen Mac Paint aus. Meine Rolle als Grafiker bei Tassilo von Grolman prägte mein holistisches Designverständnis. Es folgte die Karriere in globalen Agenturnetzwerken wie Saatchi & Saatchi, TBWA und Leo Burnett. Bei »Leo« leitete ich eine eigene Unit für »Experience Marketing«. Geprägt von der langjährigen Tätigkeit für die Marke Marlboro. Einerseits die content platform »Marlboro Network, The Pulse of America«, in der ich Kreativdirektor und Trendscout/Cool Hunter in Personalunion sein durfte sowie der Forschung an dem »Brand Recognition Code« der Marke. Eine globale Studie mit Designers Republic, Pentagram, Tomato und David Carson bildete deren Basis. Mit dem »Lab01«, einem Zukunftspavillon an der Schnittstelle aus Science und Popkulturen für DaimlerChrysler auf der Expo 2000 fand sich 1999 schließlich meine gestalterisch wirkungsvollste Heimat bei und für Atelier Markgraph. Von 2001 bis 2003 wechselte ich zu J. Walter Thomson, leitete dort Teile der Kreation als CD sowie die Tochterfirmen für Experiences »Thompson Live Communication« und den Designsatelliten »Thompson Brand Design«. Die vielschichtige »MultiChannel« Einführung der Marke Becks Gold war ein Highlight. Sowie medienübergreifende Arbeiten für AEG, Rolex und den Onlinebroker der Sparkassengruppe. 2003 kehrte ich schließlich zu »AM« (Atelier Markgraph) zurück. Seit 2005 Geschäftsführer und seit 2016 nun auch Mit-Inhaber und somit Gesellschafter. Vielschichtige Projekte in Corporate und Culture sind weiterhin mein Antrieb.
105 — Lena Jüngst
Zukunftslabor Gastronomie
Die Designer*innen Lena Jüngst und Tim Jäger haben mit ihrem Team das heute international tätige Unternehmen air up aufgebaut. Die beiden trafen sich 2016 bei ihrem Produktdesign-Studium an der HfG Schwäbisch Gmünd. Mittlerweile hat air up Starter-Sets im siebenstelligen Bereich verkauft und beschäftigt über 200 Mitarbeiter*innen. Lenas Team hat beim 50 Next in Bilbao einen Preis für Tech-Disruption gewonnen.
Wir haben Lena aber nicht wegen ihres Preises in den DDCAST eingeladen, sondern weil sie einen euphorischen LinkedIn-Post abgesetzt hat, in dem sie die jungen Köch*innen, Aktivist*innen, Gastronom*innen feiert, die sie bei den 50 Next-Awards in Bilbao kennengelernt hat.
Beim 50 Next geht es um die führenden jungen Köpfe in Gastronomie, Landwirtschaft und Lebensmittel-Verarbeitung. Leute, die nachhaltige Lebensmittel, faire Restaurants, eine neue Kulinarik entwickeln. Leute sehr kritische Fragen stellen und diskutieren. Eben jene 20–30-jährigen, die Lena in Bilbao, auf dem, wie sie sagt „am meisten inspirierenden Event, an dem sie jemals teilgenommen hat“, traf. Von diesen Macher*innen können wir im Design wirklich massig lernen – über Nachhaltigkeit, über Innovation und über agiles Experimentieren.
104 — Sandra Groll
Design: Zwischen Kontingenz und Notwendigkeit
Alles könnte anders sein. Das ist der Titel eines wichtigen Buchs von Harald Welzer. Und es gibt Dinge, die notwendig sind. Aber was hat Design mit Kontingenz und Notwendigkeit zu tun?
Dr. Sandra Groll ist Designwissenschaftlerin, Systemtheoretikerin und Designerin. Sie studierte an der hfg Karlsruhe und promovierte 2020 an der HfG Offenbach. Ihre Promotionsschrift erschien 2022 bei transscript unter dem Titel „Zwischen Kontingenz und Notwendigkeit. Zur Rolle des Design in der Gesellschaft der Gegenwart.“
Von 2016 bis 2018 war sie Vertretungsprofessorin für Systemdesign an der Kunsthochschule Kassel. Seit 2010 lehrte sie an verschiedenen Universitäten im In- und Ausland, unter anderem an FH Potsdam, FH Bielefeld, Freie Universität Bozen, HfK Bremen, Zhejiang Wanli University Ningbo, Design Factory International und Brand University Hamburg. Sie forscht zum Thema Design und Gesellschaft und arbeitet gegenwärtig an einem Publikationsprojekt zu relationalen Gestaltungsmethoden. Neben ihrer akademischen Tätigkeit ist sie als freie Beraterin in der Kreativwirtschaft tätig. Seit 2017 ist sie Mitglied des Herausgeberrats „BIRD – Board of International Research in Design“ im Birkhäuser Verlags und Mitherausgeberin der gleichnamigen Reihe und Co-host der „NERD-New Experimental Research in Design“- Konferenzen.
103 — Nina Sieverding und Anton Rahlwes
FORM FRAGEN 01
Salone Del Mobile 2022
Die Zeitschrift form und der DDCAST arbeiten zusammen.
Ab sofort gibt es im DDCAST „form fragen“-Extraausgaben. Nina Sieverding und Anton Rahlwes, die Chefredakteur*innen der form, im Gespräch mit Georg-Christof Bertsch. Es geht um den Blick auf aktuelle Designereignisse. In diesem Fall ein Rückblick auf den Salone del Mobile in Mailand.
Die form ist eines der traditionsreichsten Designmedien der Welt. Das „Zentralorgan der deutschen Designszene“ kommt aus dem Print. Wir alle sind mit ihr aufgewachsen. Sie erscheint seit 65 Jahren! Der DDCAST ist eines der jüngsten Designmedien der Welt. Unser kleiner Podcast ist ein digital native.
Was haben wir gemeinsam? Nun, wir mögen uns. Und wir haben eine ähnliche Vorstellung von Qualität und der Relevanz sehr sorgfältiger Arbeit. Nina Sieverding, form: „Für uns ergibt die Zusammenarbeit mit einem rein digitalen Medium, das mit einem viel schnelleren Rhythmus arbeitet, Sinn. Der DDCAST erscheint pünktlich zum Wochenstart. Wir dagegen nehmen uns viel Zeit und erscheinen alle drei Monate. Das mag in der Ära von Social Media kontraintuitiv wirken. Aber wir glauben an die sinnlichen Qualitäten von besonderen Papieren, Farben, Haptiken und auch Inhalten.“
Anton Rahlwes, form: „Unser Leitmedium in der form-Medienfamilie ist Print. Print gehört – mittlerweile – zu den langsamsten Medien. Wir drehen jedes Wort dreimal um, bevor wir es drucken. Kritischer Designjournalismus steht bei uns an erster Stelle – und der Erfolg der letzten Zeit gibt uns Recht. Dafür sind wir dankbar. Unser Prinzip einer offenen und diskursiven Kommunikation bekräftigen wir mit der DDCAST-Kooperation.“
Rainer Gehrisch, DDCAST: „Ich freue mich sehr, dass die Zusammenarbeit zustande gekommen ist. Wir haben vor zwei Jahren mit dem Cast angefangen und wussten wirklich nicht, wo das hingeht. Dass der DDCAST eine derartige Reputation und Reichweite aufbauen würde, war nicht absehbar. Nach dem Rat für Formgebung und den German Design Graduates arbeiten wir nun auch mit der Designzeitschrift form fest zusammen. Das ist wirklich schön.“ Georg-Christof Bertsch, DDCAST: „Unser Redaktionskonzept folgt drei Richtlinien: 1. Vielfalt, Vielfalt, Vielfalt. 2. Radikal gendern, Diversität feiern, Alters-Diskriminierung entgegenarbeiten. 3. Neues ausprobieren. Experimentieren. Deshalb bringen wir neben Design-Superstars auch unbekannte Gestalter*innen, die keinen Stein auf dem anderen lassen. Wir bringen Wissenschaftler*innen und Ökonom*innen. Das alles sind massive Einflussfaktoren auf die Zukunft des Designs. Der Start der Zusammenarbeit mit der form ist für mich ein bewegender Moment.“
102 — Alexis Dornier
Tektonische Innovation auf Bali
Alexis Dornier wurde 1981 in Deutschland geboren, wo er unter dem ständigen Einfluss der Luftfahrtindustrie aufwuchs. Er entstammt einer Industriellen- und Ingenieurs-Familie. Alexis studierte Architektur an der Universität der Künste in Berlin und zog anschließend nach New York City, wo er zwischen 2004 und 2007 als Architekturdesigner für Asymptote Architecture, OMA-NY und Rex arbeitete.
Das Jahr 2013 markierte eine radikale Veränderung in seinem Leben und seiner Karriere, als er beschloss, sein westliches Leben hinter sich zu lassen und nach Ubud auf Bali umzuziehen, wo er begann, als Berater für lokal entworfene und gebaute Architekturprojekte zu arbeiten. Was als architektonische Beratung begann, entwickelte sich schnell zu ganzheitlichen, unabhängigen eigenen Projektentwürfen mit einer schnell wachsenden Anzahl von Arbeiten in der balinesischen Landschaft. Dornier ist jetzt in Ubud ansässig und arbeitet sowohl lokal als auch international an einer Mischung aus Wohn- und Gewerbeprojekten.
Die Philosophie hinter der Architektur von Alexis Dornier besteht darin, für jede architektonische Gestaltungsaufgabe Gestaltungsmethoden zu kombinieren und neu zu formulieren. Eine architektonische Aufgabe ist ein eigener Fall, eine eigene Sache, ein eigenes Problem und eine eigene Angelegenheit. Eine Reihe von Regeln bilden eine logische und umfassende Entwurfserzählung, die zu Effizienz und einem starken Ausdruck unserer gebauten Umwelt führt.
Seine architektonischen Projekte versuchen, eine Designästhetik zu formulieren, die zwischen Elementen des tropischen Modernismus und der Industriearchitektur vermittelt, mit einem zugrunde liegenden Streben nach formaler und tektonischer Innovation. Diese Entwurfsästhetik wird durch einen iterativen Entwurfsprozess und eine sorgfältige Auswahl lokal verfügbarer natürlicher Materialien realisiert, die räumlich so komponiert sind, dass sie auf den Standort und die natürliche Umgebung, in der sie stehen, reagieren.
Tektonik ist im Wesentlichen die Tätigkeit, die das Bauen zu einer Form der Kunst erhebt. In dieser Hinsicht werden die Projekte von Alexis Dornier durch strukturelle und formale Erkundungen angetrieben, durch den Wunsch des Studios, die Grenzen seiner eigenen tropisch-tektonischen Sprache zu erweitern. Dies geht Hand in Hand mit dem Bestreben, die Erfahrung der Landschaft durch architektonisches Design zu verstärken.
Die Projekte des Studios werden in den tropischen, bewaldeten Hügeln von Ubud, dem kulturellen Epizentrum Balis, entworfen. Architektur in den Tropen und insbesondere an einem Ort wie Bali zu praktizieren, inspiriert uns täglich und erinnert uns daran, langsamer zu werden und die Bedeutung von Gleichgewicht und Wohlbefinden zu schätzen.
Mit einem Team von talentierten, engagierten Architekten und Designern ist das Studio bestrebt, neue Typologien, Formen und Strukturen zu erforschen und dabei von dem reichen Erbe und dem in der lokalen Tradition verankerten Know-how zu lernen.
101 — Franziska Ratsch und Oliver Grande
Partizipative Raum-Gestaltung
Franziska Ratsch ist Architektin und Spezialistin für nutzerzentrierte Innenarchitektur. Sie konzipiert und entwickelt Arbeitsumgebungen, die wirksame Zusammenarbeit ermöglichen. Sie ist verantwortlich für Designkonzepte und Work Hacks, die ein allgemeines Verständnis für die Nutzung des Raumes durchsetzen. Durch ihre langjährige Arbeit bei der BREAD&butter und Zalando ist sie darin geschult, inspirierende und intuitiv funktionierende Arbeitswelten für ihre Kunden zu schaffen. Sie verfügt über ein großes Netzwerk zu Architekten, Interieur Designern und Möbelherstellern, womit auf wirklich jeden Kundenwunsch eingegangen werden kann. Sie ist immer neugierig auf ihre nächste Aufgabe und stark darin, Lösungen auf hohem Designniveau und Funktionalität zu finden und diese mit einem hohen Grad an Verantwortlichkeit umzusetzen. Franziska denkt groß und handelt schnell, wenn es darum geht, Veränderungen zu schaffen. Studium mit Diplomabschluss Dipl. Ing. der Architektur, Beuth Hochschule, Berlin / Ausbildung zur Bauzeichnerin, Bremen / Verschiedene Projekte (Joint Venture, Auftragsarbeit) mit dem Hasso-Plattner-Institut / Verschiedene Produktentwicklungsprojekte mit Möbelherstellern (firmeneigene Möbellinien, temporäre Fassadenstrukturen) / Fortbildung Prince 2, AXELOS / Weiterbildungen zum Thema 360-Grad Feedback, Zeitmanagement, Projektmanagement. Ihr Hintergrund ist: Drei Jahre Erfahrung im Bereich Architektur, Wohnungsbau / BREAD&butter: Acht Jahre Erfahrung im Bereich temporäre Architektur und Messebau bei Zalando: Fünf Jahre Erfahrung im Bereich Projektleitung Konstruktion und Entwicklung von Bürogebäuden, Interieur Design und Entwicklung einer nutzerzentrierte Arbeitsumgebung für Mitarbeiter aus verschiedenen Berufsfeldern, sowohl „white“ als auch „blue collar“ / Sankt Oberholz Consulting, Arbeitsweltraum: Mehrere Jahre Berufserfahrung auf strategisch / konzeptioneller und operativer Ebene / Gründerin von Bimba Pepa – Furnitecture for Kids and Kidults. Ihre Arbeitsschwerpunkte liegen in Veränderungs- und Transformationsprozesse (Lean Change Approach, Prototyping, Intergration der Mitarbeiter in einen Veränderungsprozess) / Neue Organisationsdesigns, Arbeitswelten und -formen (Aktivitätsbezogenes Arbeiten, Remote Work, andere Orte wie Home Office und Co-Working) / Nutzerzentrierte Arbeitsumgebungen (Unternehmenswerte, Mitarbeiterbefragungen) / Optimierungspotential im Raum durch minimale Veränderungen des Nutzerverhaltens / Einführung neuer tätigkeitsbezogener Möbelkonfigurationen / Arbeitgebermarkenführung und -kommunikation (Spatial Branding, Location Branding, Employer Branding, Aktivierungskommunikation) / Nutzerbefähigung durch Workshops & Trainings.
Oliver Grande: Nach mehr als 15 Jahren in der Möbel- und Interior Design-Branche in verschiedensten Organisationstypen, vom straff hierarchischen Handwerksbetrieb seiner Lehrjahre über den Mittelstand und einem selbstorganisiert arbeitenden Beratungsunternehmen, ist er zu der Erkenntnis gekommen, dass Menschen sich nicht an Büros anpassen sollten, sondern Büros an Menschen. Schon immer ging es ihm um den Mehrwert, den Räume ihren Nutzer*innen geben können. Heute arbeite er noch stärker als Übersetzer, Kommunikator und Impulsgeber, der Raum und Kultur von Unternehmen verbindet und Orientierung bietet, um Büros zu Orten zu machen, die neuen Ansprüchen gerecht werden. Für Arbeitsorte, die dem „Permanent Beta“ der Arbeitswelt nachhaltig gewachsen sind, beständig wandelnde Strukturen und Prozesse tragen, auf das Geschäftsmodell abgestimmt sind, Zusammenarbeit fördern, das Potenzial haben, Individuen und Unternehmen zu einen, Identität stiften und viel Zukunft versprechen. Es geht ihm darum, Orte zu schaffen, die neuer Arbeit würdig sind! Genießt die Energie, die aus kreativer Zusammenarbeit, zwischenmenschlichem Austausch und gemeinsamen Zielen entsteht. Er ist immer auf einer Mission und glaubt daran, dass der Status quo vor allem dazu da ist, hinterfragt zu werden.
